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x VINCENT HONORÉ IN CONVERSATION WITH JULIE PELLEGRIN, CAC DE LA FERME DU BUISSON, NOISIEL
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VINCENT HONORÉ IN CONVERSATION WITH JULIE PELLEGRIN, CAC DE LA FERME DU BUISSON, NOISIEL

Vincent Honoré Can you tell us about the missions of La Ferme du Buisson, and explain what makes this place unique in France?
Julie Pellegrin Located on an exceptional site in the outer suburbs of Paris, La Ferme du Buisson is a multidisciplinary cultural centre of national and international standing. It comprises a contemporary art centre, a national theatre containing 7 concert and performance spaces, and a cinema. This configuration, which is unique in France, makes the place a perfect example of the de-compartmentalisation of disciplines. In addition to missions common to all centres d’art (research and prospecting, supporting creativity and distribution), our centre d’art is a resonance chamber for all of La Ferme’s activities. So the programme revolves around three axes: performance, multidisciplinarity and experimentation with exhibition formats.
By basing my work on an approach that sees performance as an active principle of category-transgression, I’ve endeavoured—since my arrival eight years ago—to bring contemporary art into dialogue with other artistic disciplines (theatre, dance, music, cinema) or with disciplines outside of art (economics, philosophy, anthropology…). In our ways of working, in the subjects explored or in our activities directed at the public, we try never to disconnect the art scene from the social, political and cultural spheres. The contemporary centre d’art is a place that is open and in motion, establishing local roots and international collaborations, through a programme of exhibitions and publications, performances, meetings and screenings.

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2. Marvin Gaye Chetwynd, Jesus and Barabbas puppet show performance / installation, 2011

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3. Rainer Ganahl, I Wanna be Alfred Jarry, 1897/2012

V.H. When and why was this centre d’art created?
J.P. The centre d’art was an integral part of the initial plan for La Ferme du Buisson. The institution was created in 1990 at the end of a major renovation of the old “model farm” of the Menier chocolate factories. It was saved from destruction thanks to a mobilisation by residents and local politicians who understood the importance of preserving industrial heritage and creating a high-calibre cultural centre for the new city of Marne-la-Vallée, which was then under construction.

V.H. Beyond its art production and distribution mission, how do you define the political and civic role played by La Ferme du Buisson?
J.P. Our interview is taking place in a very worrying context in France, marked by the recent attacks, the rise of right-wing extremism, and unprecedented budget cuts leading to the closure of more and more centres d’art, theatres and other cultural places. Although our role within the city can sometimes seem trifling, the current context is making it absolutely indispensable. Art is a formidable tool against all fundamentalisms, because it makes it possible to form a critical mind, to develop complex sensory experiments, and because it’s a forum for sharing, open to alterity. As history has demonstrated, art doesn’t have to be politically engaged to constitute a subversive force, but I still make my programming choices with a view to considering the idea of actuality—in the Deleuzian sense of the term: as an evolving embodiment of a concept—by giving forms and spaces to questions that pervade our time, whether they be economic, ecological, postcolonial, feminist or otherwise. In support of this, La Ferme du Buisson is doing great mediation and awareness-raising work directed at visitors from the every walk of life. It seems to me that this art education role is vital, particularly in our location on the periphery of Paris’s cultural offering, and with regard to sectors of the public said to be “alienated” or “restricted”.

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4. Julien Bismuth, Untitled, 2015

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5. Naotaka Hiro, Untitled drawings, 2015

V.H. PIANO wishes to create a forum for exchange and dialogue between Italian and French art centres. Why did you want to participate and what programme are you proposing?
J.P. In this period when people are turning inward, international collaborations that make it possible to exchange points of view, practices and sometimes funding, are vitally important. In this sense, the cooperative projects developed by d.c.a are highly stimulating. In the context of PIANO, we’ve initiated a large project with Museo Marino Marini in Florence, entitled Alfred Jarry Archipelago, which we are sharing with a Belgian partner, M – Museum Leuven. A few years ago with Keren Detton (director of centre d’art Le Quartier in Quimper), we started taking an interest in the figure of Ubu Roi and in Jarry’s work more generally. Since Jarry had very close links with the futurists, and Italy is home to many pataphysics societies, and Ubu regularly serves as a metaphor for illustrious Italian politicians, we asked Alberto Salvadori and Leonardo Bigazzi to join in our research.
It’s not a project on Jarry, but from Jarry. Since a whole swathe of today’s art and performance seems to be infused with a typically Jarryesque transgressive power, we summoned the author to serve as the posthumous curator of the whole project. This project takes the form of an archipelago in which each island-chapter unfolds in a different place and in a different form. Three group exhibitions were held at Le Quartier, at La Ferme du Buisson and at Museo Marino Marini, and a set of performances took place in the context of the Playground Festival in Leuven. We’ll be meeting with the three other curators (Leonardo Bigazzi, Keren Detton and Eva Wittocx) in 2016 to organise the first edition of the Performance Day festival at La Ferme du Buisson, and again in 2017 for an important publication assembling all of the chapters.

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6. Nathaniel Mellors, Giantbum – Stage 2 (Theatre), 2008, The Object (Ourhouse), 2010 and Giantbum – Stage 1 (Rehearsal), 2008

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7. Nathaniel Mellors, The Object (Ourhouse), 2010

Project: Alfred Jarry Archipelago
Space: CAC de la Ferme du Buisson
Protagonist: Julie Pellegrin

Vincent Honoré Pouvez-vous nous présenter les missions de la Ferme du Buisson, et ce qui en fait un lieu unique en France ?
Julie Pellegrin Implantée sur un site exceptionnel en « grande banlieue » de Paris, la Ferme du Buisson est un centre culturel pluridisciplinaire d’envergure nationale et internationale. Il concentre un centre d’art contemporain, une scène nationale composée de 7 salles de spectacles et de concerts et un cinéma. Il s’agit d’une configuration unique en France qui en fait un lieu exemplaire en matière de décloisonnement des disciplines. En plus des missions communes à tous les centres d’art (recherche et prospection, soutien à la création et diffusion), ce centre d’art est une caisse de résonance de l’ensemble des activités de la Ferme. La programmation s’est donc concentrée autour de trois axes : performance, pluridisciplinarité et expérimentation autour des formats d’exposition.
En m’appuyant sur une approche de la performance comme principe actif de transgression des catégories, je me suis attachée depuis mon arrivée il y a 8 ans à faire dialoguer l’art contemporain avec d’autres disciplines artistiques (théâtre, danse, musique, cinéma) ou extra-artistiques (économie, philosophie, anthropologie…). Dans nos manières de travailler, les sujets abordés ou nos actions en direction des publics, nous tentons de ne jamais dissocier la scène artistique des sphères sociale, politique et culturelle. Le centre d’art contemporain est un lieu ouvert et en mouvement, développant autant un ancrage local que des collaborations internationales, à travers un programme d’expositions et d’éditions, de performances, de rencontres et de projections.

V.H. Quand et pourquoi ce centre d’art a-t-il été créé ?
J.P. Le centre d’art fait partie intégrante du projet initial de la Ferme du Buisson. L’institution a été créée en 1990 au terme d’un grand chantier de rénovation de l’ancienne « ferme-modèle » des usines de chocolat Menier. Elle été sauvée de la destruction grâce à la mobilisation d’habitants et d’élus, conscients de l’intérêt de préserver le patrimoine industriel et de proposer un lieu culturel d’envergure pour la ville nouvelle de Marne-la-Vallée alors en construction.

V.H. Comment définir – au-delà de sa mission de production et de diffusion artistique – le rôle politique et citoyen joué par la Ferme du Buisson ?
J.P. Je réponds à cette interview dans un contexte français très préoccupant, marqué par les récents attentats, la montée de l’extrême-droite, les coupes budgétaires sans précédents entraînant des fermetures de plus en plus nombreuses de centres d’art, de théâtres et autres lieux culturels. Si notre rôle au sein de la cité peut parfois nous paraître dérisoire, le contexte actuel le rend absolument indispensable. Parce qu’il permet de se forger un esprit critique, de développer des expériences sensibles complexes, et parce qu’il est un espace de partage ouvert à l’altérité, l’art est un formidable outil contre tous les fondamentalismes. Comme l’histoire l’a démontré, l’art n’a pas besoin d’être « engagé » pour constituer une force subversive, mais mes choix de programmation s’attachent tout de même à considérer l’idée d’actualité – au sens deleuzien du terme : comme un concept incarné, en devenir – en donnant des formes et des espaces à des questions qui traversent notre époque, qu’elles soient économiques, écologiques, postcoloniales, féministes, ou autres. Pour accompagner cela, la Ferme du Buisson développe une formidable action de médiation et de sensibilisation en direction des publics les plus divers. Ce rôle d’éducation artistique qui nous incombe me semble vital, particulièrement dans la situation périphérique que nous occupons en regard de l’offre culturelle parisienne, et à l’égard des publics dits « éloignés » ou « empêchés ».

V.H. PIANO veut créer un espace d’échange et de dialogues entre des lieux d’art italiens et français. Pourquoi avez-vous souhaité participer et quel programme proposez-vous ?
J.P. Dans cette période de repli sur soi, les collaborations internationales qui permettent d’échanger points de vue et pratiques et parfois financements, sont d’une importance capitale. En ce sens, les projets de coopération développés par d.c.a sont extrêmement stimulants.
Dans le contexte de PIANO, nous avons initié avec le Museo Marino Marini à Florence un vaste projet intitulé Alfred Jarry Archipelago, auquel nous avons associé un partenaire belge : le M Museum à Louvain. Il y a quelques années, nous avons commencé avec Keren Detton (directrice du centre d’art Le Quartier à Quimper) à nous intéresser à la figure d’Ubu Roi et plus largement à l’œuvre de Jarry. Parce que Jarry avait entretenu des liens très étroits avec les futuristes, que l’Italie abrite de nombreuses sociétés de pataphysiques, et qu’Ubu sert régulièrement de métaphore pour d’illustres politiciens italiens, nous avons proposé à Alberto Salvadori et Leonardo Bigazzi de s’associer à notre recherche.
Il ne s’agit pas d’un projet sur mais à partir de Jarry. Parce que tout un pan de l’art et de la performance actuel nous semblait traversé par une puissance de transgression typiquement jarryesque, nous avons convoqué l’auteur comme commissaire posthume de l’ensemble du projet. Ce dernier prend la forme d’un archipel où chaque chapitre-île prend place dans un lieu différent, sous une forme différente. Trois expositions collectives se sont ainsi tenues au Quartier, à La Ferme du Buisson et au Museo Marino Marini, et un ensemble de performances dans le cadre du festival Playground à Louvain. Nous nous retrouverons avec les trois autres commissaires (Leonardo Bigazzi, Keren Detton et Eva Wittocx) en 2016 pour organiser la première édition du festival Performance Day à la Ferme du Buisson, puis en 2017 pour une importante publication réunissant l’ensemble des chapitres.

Images:
1. Mike Kelley, Spread-Eagle, 2000 and The Poetry of Form: Part of an Ongoing Attempt to Develop an Auteur Theory of Naming,1985-1996, La Ferme du Buisson, Courtesy du Centre national des arts plastiques, FNAC 01-006 et FNAC 03-267
2. Marvin Gaye Chetwynd, Jesus and Barabbas puppet show performance / installation, 2011, La Ferme du Buisson, Courtesy Sadie Coles HQ – London
3. Rainer Ganahl, I Wanna be Alfred Jarry, 1897/2012, La Ferme du Buisson, Courtesy the artist and Kai Matsumiya – New York
4. Julien Bismuth, Untitled, 2015, La Ferme du Buisson, Courtesy the artist and galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois – Paris
5. Naotaka Hiro, Untitled drawings, 2015, La Ferme du Buisson, Courtesy the artist and The BOX Gallery – Los Angeles
6. Nathaniel Mellors, Giantbum – Stage 2 (Theatre), 2008, The Object (Ourhouse), 2010 and Giantbum – Stage 1 (Rehearsal), 2008, Courtesy the artist and Matt’s Gallery – London, La Ferme du Buisson
7. Nathaniel Mellors, The Object (Ourhouse), 2010, La Ferme du Buisson, Courtesy the artist and Matt’s Gallery – London
All images: Installation views, Alfred Jarry Archipelago : La Valse des pantins – Acte II, La Ferme du Buisson, Noisiel, 2015. © Émile Ouroumov

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x PERFORMANCE DAY ALFRED JARRY ARCHIPELAGO
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PERFORMANCE DAY ALFRED JARRY ARCHIPELAGO

Artists: Les Chiens de Navarre, Hugues Decointet, Kasia Fudakowski, Dominique Gilliot, Petrit Halilaj, Jean-Christophe Meurisse, Luigi Presicce, Benjamin Seror, Katarina Ševic´ & Tehnica Schweiz, Cally Spooner, Sarah Vanhee

Curated by: Leonardo Bigazzi, Keren Detton, Julie Pellegrin, Eva Wittocx 

CAC de la Ferme du Buisson
Noisiel
saturday February 13 2016 from 2 pm to midnight

press contact:
Corinna Ewald
corinna.ewald@lafermedubuisson.com
01 64 62 77 05 2

1. Gergely László, Alfred Palestra book presentation, 2015-2016

1. Gergely László, Alfred Palestra book presentation, 2015-2016

2. Katarina Šević & Tehnica Schweiz, Alfred Palestra, 2015-16

2. Katarina Šević & Tehnica Schweiz, Alfred Palestra, 2015-16

A NEW PERFORMANCE FESTIVAL AT LA FERME DU BUISSON

More and more frequently contemporary artists are blending the codes of the visual arts with those of the stage, in an exploration of an interspace of potential art forms. As a fundamentally multidisciplinary venture, La Ferme du Buisson has an obligation to welcome and assist practices that include performance as an active force in the transgression of conventional limitations.
Performance Day is a new, annual event, with international artists and curators being invited to make use of our theatre space. The aim is to work with other art bodies and festivals, with an emphasis on sharing insights and (co)producing hybrid works of art. For this first edition it seemed natural to invoke Alfred Jarry, that iconic scuttler of categories, as its tutelary figure. Tying in with La Valse des pantins exhibition and the international Alfred Jarry Archipelago project, Performance Day is a celebration of physical and linguistic contortions, absurdist humour and blatant amateurism; these being the tools the participating artists bring to a meticulous deconstruction of accepted standards, via approaches including marathon performances, open-air strolls and sound installations, screenings, improvised musical happenings, readings from Jarry and barroom-style discussions about « the uselessness of the theatre to the theatre ».

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3. Benjamin Seror, The Marsyas Hour, 2015-16

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4. Benjamin Seror, The Marsyas Hour, 2015-16

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5. Benjamin Seror, The Marsyas Hour, 2015-16

Alfred Jarry Archipelago
Comprising a number of different segments, Alfred Jarry Archipelago is initiated by Le Quartier, Centre for Contemporary Art in Quimper (France), La Ferme du Buisson Centre for Contemporary Art in Noisiel (France), and the Museo Marino Marini in Florence (Italy). The venture is part of Piano, the Franco-Italian art exchange platform, in collaboration with M – Museum and Playground in Leuven (Belgium).

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6. Cally Spooner, Damning Evidence Illicit Behaviour Seemingly Insurmountable Great Sadness Terminated In Any Manner, 2014

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7. Cally Spooner, Damning Evidence Illicit Behaviour Seemingly Insurmountable Great Sadness Terminated In Any Manner, 2014

CURATORS 

Leonardo Bigazzi
Leonardo Bigazzi is a curator based in Florence. He recently started working at the Museo Marino Marini where he co-curated the exhibition 30/60 Opere dalla collezione del FRAC Champagne-Ardenne with a selection of over 40 works from the collection of the French institution. Since its first edition in 2008 he collaborates with Lo Schermo dell’Arte Film Festival in Florence, Italy. For the Festival he curates VISIO – European Workshop on Artists’ Cinema, the VISIO Residency Program, and Notti di Mezza Estate, a summer program of artists’ films and documentaries from the archives of the Festival. Beside collaborating to the selection of films for the main program, in the past edition of the Festival he has been responsible for special projects with the artists Omer Fast, Melik Ohanian and Hiroshi Sugimoto. He is also the co-director of Feature Expanded, a training program developed together with HOME (Cornerhouse) in Manchester. He recently started an on-going collaboration with the artist Petrit Halilaj and he has worked for the research and production of his exhibitions at the Galerie Kamel Mennour (Paris), Bundeskunsthalle (Bonn), Kölnischer Kunstverein (Koln) and Palazzo Grassi/Punta della Dogana (Venice). Since 2012 he works at the Gucci Museum in Florence as a consultant for the contemporary art exhibitions organized in collaboration with the François Pinault Collection.

Keren Detton
Keren Detton is curator and director of Le Quartier, Centre for Contemporary Art in Quimper (Brittany, France) since 2009. She works with artists from different generations and develops exhibition projects and editions on a national and international scale. Her programme includes monographic exhibitions (Guy de Cointet, Ann Veronica Janssens, Claude Closky, Carey Young, Adva Zakai, Fayçal Baghriche…) and collective exhibitions, which focus on forms and languages, perception of images and the construction of identities. From 2004 till 2009, she worked in Air de Paris gallery and conducted a prospective programme titled La Planck. She held the position of president of the association C-E-A (French association of curators) from 2007 till 2009, and is still involved as a board member.

Julie Pellegrin
Since 2007, Julie Pellegrin has been working as the director of the Art Centre of La Ferme du Buisson. She aims to create a dialogue between contemporary art and other art forms (with a particular emphasis on theatre and dance), as well as social science (economics, philosophy, anthropology), focusing on the significance of processes and experimentation in the performative dimension of art. She mixes solo (Isabelle Cornaro, Seulgi Lee, Gianni Motti, Denis Savary, Mathieu Kleyebe Abonnenc, Diogo Pimentao, Julien Bismuth, Phill Niblock) and group exhibitions (A Choreographed Exhibition, Treasures for Theatre, The Yvonne Rainer Project) mixed with publications, talks and performances. Author of over a dozen of artist monographs and artists’ books, Julie Pellegrin recently published, together with fellow curator Mathieu Copeland, a collective anthology entitled Choreographing Exhibitions. In 2013, she co-curated Nuit Blanche Paris with Chiara Parisi. They invited 40 international artists to produce large-scale artworks showcased across the city in public space, to offer spectators a chance to experience time-based works by Fujiko Nakaya, Rosa Barba, Michael Portnoy, Peter Watkins, Chantal Akerman, Hassan Khan, Liam Gillick or Martin Creed – as well as reenactments of historical works like Palle Nielsen’s The Model or Karlheinz Stockhausen’s Helicopter String Quartet.

Eva Wittocx
Eva Wittocx is a curator and art critic based in Brussels. Since 2009 Eva Wittocx is head of the contemporary art department at Museum M in Leuven, Belgium. M presents both ancient and contemporary art through a varied exhibition program. The contemporary art program focuses on monographic exhibitions, both of emerging and established artists. Exhibitions she curated at M include Guy de Cointet, Markus Schinwald, Sarah Morris, Ugo Rondinone, Patrick Van Caeckenbergh, Pedro Cabrita Reis, Mika Rottenberg, Dirk Braeckman, Yael Davids and Sol LeWitt walldrawings. Between 1997 and 2006 she was curator at the S.M.A.K. museum for contemporary art in Ghent. From 2006 till 2009 she worked at the arts centre STUK in Leuven where she in 2007, together with the STUKteam, created a new yearly live art performance festival called Playground. Since 2009 this festival is a collaboration between STUK and Museum M, and takes place at both venues. Eva Wittocx has contributed to several catalogues, publications and magazines. She has given lectures and participated at many seminars. She is member of IKT, ICOM and president of the Belgian section of AICA.

8. De l'inutilité du théâtre au théâtre, roundtable, 2016

8. De l’inutilité du théâtre au théâtre, roundtable, 2016

PROGRAM 

14:00 — Introduction by the curators and Dominique Gilliot, Master of Ceremony
14:30 — Reading Jarry out loud — reading / 1h
14:30 — Hugues Decointet — performance / 30 min
15:00 — Art Centre Guided tour of the exhibition in English / 45 min
15:30 — Katarina Ševic & Tehnica Schweiz — discussion and book signing / 1h
16:40 — Cally Spooner — activation / 7 min
17:00 — Sarah Vanhee* — performance / 2h30
17:30 —  Hugues Decointet — performance / 30 min
18:20 — Cally Spooner — activation / 7 min
19:00 — Jean-Christophe Meurisse* — film / 50 min
19:40 — Cally Spooner — activation / 7 min
19:50 — Dominique Gilliot — performance / 20 min
20:30 — Benjamin Seror* — performance cabaret, (snack included) / 1h20
20:45 — Les Chiens de Navarre* — dance performance / 1h
22:30 — Christophe Meurisse* — film / 50 min
22:30 — Of the Futility of the « Theatrical » in the Theatre  — Informal, café-style discussion / 1h

9. Lire Jarry à voix haute, 2016

9. Lire Jarry à voix haute, 2016

ONGOING

14:00-midnight —  Dominique Gilliot — Master of Ceremony
14:00-23:00 — Alfred Jarry Archipelago : La valse des pantins – Acte II — tour of the exhibition by the visitor guides and focus on specific artworks
14:00-23:00 — Cally Spooner — installation
14:00-midnight — Petrit Halilaj — sound installation
14:00-midnight — Hugues Decointet — sculptural and sound installation
14:00-16:30 — Kasia Fudakowski — projection
16:30-18:30 — Luigi Presicce — projection
14:00-midnight — Bar / catering

* booking essential: admission upon ticket presentation : +33 1 64 62 77 77 

Here is the detail of the program

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Paris Opéra-Bastille – Ferme du Buisson
1pm – midnight

Press invitation on demand

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10. Dominique Gilliot, Une Série de Moments + un Moment + un Autre Moment, 2016

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11. Dominique Gilliot, Une Série de Moments + un Moment + un Autre Moment, 2016

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12. Dominique Gilliot, Une Série de Moments + un Moment + un Autre Moment, 2016

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13. Dominique Gilliot, Une Série de Moments + un Moment + un Autre Moment, 2016

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14. Dominique Gilliot, Une Série de Moments + un Moment + un Autre Moment, 2016

ARTISTS & WORKS

Les Chiens de Navarre
Collective founded in 2005. Les Chiens de Navarre is a theatre collective created by Jean-Christophe Meurisse, who is also the director. The company uses improvisation and the ‘accidents’ that arise out of it. They create temporary oppositions, ephemeral crises, and idiotic games – with the audience or against them. “In the midst of banality, overplayed metaphors and our own urges, the Chiens de Navarre produce something that is like a sudden upsurge of our most salient and least calculated desires. Hence the importance of improvisation in their work; it attracts the highly exaggerated situations, sporadic outbursts, extreme fatigue and violent rifts that are all part of that hyper-present.” (Tanguy Viel)

Les danseurs ont apprécié la qualité du parquet, 2012 – Dance performance, 1h
The Chiens de Navarre reject all kinds of “rigid, elitist and dusty theatre”. Their preference is for a carnival aesthetic and automatic stage writing in the style of Artaud and the Surrealists. This is their first choreographed show, a transgressive journey through the history of dance. A procession of old people start wandering around, dancing and feeling each other up, to the accompaniment of old pop songs. They are pathetic and filthy, strange and moving. In this chaotic, silent dance, the Chiens weave an astonishingly meaningful cloth out of the threads of their idiocy. Led, off the leash, by Jean-Christophe Meurisse, these Dogs of Navarre, with their incisive fangs, are both provocative and charming.
Collective creation by Les Chiens de Navarre
Directed by Jean-Christophe Meurisse
Artistic collaboration Isabelle Catalan
With Caroline Binder, Céline Fuhrer, Robert Hatisi, Manu Laskar, Thomas Scimeca, AnneÉlodie Sorlin, Maxence Tual, Jean-Luc Vincent

Hugues Decointet
Born 1961 in Bienville, France. Lives and works in Montreuil. In the work of Hugues Decointet, changes of scale, changes of status in props and objects, and changes from representation to presentation are stage effects and reversals of situation that disturb our perception of the real. Every object is capable of being an image and every image is taken from a possible film. Decointet marks out spaces with stage techniques in which objects are both receivers and transmitters. The energy needed in order to activate and literally animate the venue is the spectator’s own curiosity. A shared moment emerges; the mobile, photographic eye takes the body with it in a mobility that is itself a picture.

Dramavox, model for a theatre of voices II, 2015 – Sound installation activated by a performance, 400 x 400 cm, 40 min
Intrigued by a Samuel Beckett text about the voice, Hugues Decointet created an index of descriptions of voices and interviews with actors on the subject of voices that they like. He subsequently turned this into a play combining texts and sculptures. Neither performance nor radio play, Drama Vox is presented literally as a “little voice theatre”. By manipulating the wooden objects that make up the sound material, a vocal portrait emerges which gradually becomes architecture. Its reduced format, nevertheless, means that it is more of a model; put simply, it is the utopian projection of a theatre.
Coproduction Playground (STUK Kunstencentrum & M Museum) / Ferme du Buisson With support from the French Ministry of Culture and Communication – DICRéAM.

Kasia Fudakowski
Born 1985 in London. Lives and works in Berlin. Kasia Fudakowski’s sculptures, performances and videos often take the form of crazy jokes or ironic monologues full of puns. People’s reaction to them is laughter followed by a moment of doubt in which they turn round to see if it really was funny. This sardonic humour comes from Fudakowski’s fondness for the verbal slips and shifts of meaning that arise out of appropriations or translations, whether linguistic or aesthetic. What interests the artist is the philosophy of comedy rather than an urge to set people giggling. She works at deconstructing the rules of ordinary stand-up comedy and thinks about the affective nature of laughter and the act of smiling. Fudakowski probes that slightly uncomfortable feeling that can set in between a comedian and his or her public.

Did I Ever Really Have a Chance?, 2015 – Color video, sound, 15 min
Kasia Fudakowski created her performance Did I Ever Really Have a Chance? at the invitation of the Museo Marino Marini as part of the Alfred Jarry Archipelago programme: ’HA ’HA (Florence, October 2015). The ordinary public discussion between artist and curator that was announced in the programme begins to go awry as various interruptions, accidents and other bugs arise unexpectedly. The artist arrives late, the curator’s introduction gets longer and longer, the translator gets into a total muddle, and so it goes on until eventually the museum fire alarm starts ringing. Far from being a mere film of the performance, the film presented here is a careful montage of text and image, in which scenes are repeated in a stuttering kind of way and the surtitles oscillate between commentaries after the event and a pre-written script. All of which sows doubt on what one is looking at.
Production Museo Marino Marini

Dominique Gilliot
Born 1975 in Gravelines, France. Lives and works in Paris and Brussels. Dominique Gilliot’s performance work comes in a variety of forms and has its own logic – a mixture of academic and popular culture. Her performed lectures involve the listener in a train of thought where the power of logic is traversed by the accidental and the fortuitous. The result is liable to be funny, totally unexpected, charmingly confused and yet, at the same time, strangely precise. In her own inimitable way, she points an unshaking finger at all kinds of elements, be they poetic, evanescent, basic or vernacular. This is performance and a shared moment.

Une Série de Moments + un Moment + un Autre Moment, 2016 – Performance, variable duration
For this first edition of the festival, Dominique Gilliot will be performing Une Série de Moments + Un Moment + Un Autre Moment (“A Series of Moments + A Moment + Another Moment”). Amongst other things, and at her own special request, she will take on the role of Mistress of Ceremonies throughout the day. This will enable her to talk about the works, to direct operations (a velvet hand in a steel glove), to maintain both atmosphere and open spaces, keep the audience on their toes and the words moving along, and maybe even to sing a few ditties. During the period of her residency, Gilliot will be exploring and exploiting the logic of the spaces at the Ferme du Buisson, using various objects picked up here and there, a text by Alfred Jarry about time in art, and the latest issues of l’Etoile Absinthe, all these as means of pursuing her navigation from place to place and work to work.
Production in the framework of Dominique Gilliot’s residency at the Centre d’art contemporain de la Ferme du Buisson

Petrit Halilaj
Born 1986 in Kostërrc, Skenderaj-Kosovo. Lives and works in Berlin (Germany), Pristina (Kosovo) et Bozzolo (Italy). Petrit Halilaj learnt to draw as a teenager in a refugee camp during the war in Kosovo. His memories of a childhood spent in the countryside and his personal experience of war, destruction and displacement are the basis of his reflections about life and the human condition. Although he draws on concrete and material biographical elements, his work avoids pathos and is rooted in research into trauma and the ways in which it can be represented in art. His combinations of earth and rubble, stuffed animals covered in mud, live chickens and delicate drawings evoke a private and utopian universe in which the human being is objectified as being just like any other animal in the zoo, the works show his attempts at understanding such notions as “home”, “nation” and “cultural identity”.

Friends of birds, 2014-2015 – Aleatory sound installation, 1h
Animal motifs, particularly birds, are omnipresent in Petrit Halilaj’s work. After creating For the Birds, an installation he realised with Alvaro Urbano, Halilaj asked friends to record sounds as if they wanted to and were able to communicate with birds. These strange sounds can be heard in public places. They mirror the artist’s working environment; he shares his studio with canaries that he talks to, studies, and whose songs he imitates.

Jean-Christophe Meurisse
Born 1975 in Lorient, France. Lives and works in France. Founder and artistic director of the theatre company Les Chiens de Navarre, Jean-Christophe Meurisse has directed their collective performances since 2005. He is also a film maker interested in the possibility of accidents and awkward moments, which – as happens during rehearsals for his dramatic productions – throw the actor into a real-life situation, unprepared, with no predetermined role and without preconceived ideas.

Il est des nôtres, 2013 – Video HD, colour, sound, 47 min France, Poland
Thomas is thirty-five years old and has decided that he will never go outside again. He lives in a caravan in a shed in the middle of the city and invites his family and his friends and neighbours round. He organises parties – Dionysian feasts. Every day Thomas celebrates his rejection of society. Merrily and furiously. Jean-Christophe Meurisse wanted to try out the use of improvisation, which is entirely how this was shot, in film. Accordingly, the film starts with an idea and has no real script. Meurisse uses this medium-length film as a means of interrogating our ability to live outside civilisation – in order to get closer to the world.
Production Ecce Films

Luigi Presicce
Born 1976 in Porto Cesareo, Italy. Lives and works in Milan and Porto Cesareo. In Luigi Presicce’s work, series of images are compulsively assembled to create a narrative of symbols and allegorical figures condensed in time. The creative process behind each work does not follow a precise structure; it is progressively added to by research into a specific theme. Prescice’s practice is presented as a contemporary reworking of myths, stories and classical symbols. In all his works, the symbolic power of the image is very intense. He reinforces the visual world of the quattrocento and cinquecento, from which he draws his many references, with a popular iconography arising from collective and personal memory and related to more ancient traditions and beliefs.

Il sogno della cascata di costantino, 2015 – Colour video, sound, 7 min
With his enigmatic performances for solitary viewer, Luigi Presicce creates surrealist tableaux vivants with a wealth of esoteric symbols and references. The performance produced for the Alfred Jarry Archipelago programme, ’HA ’HA (Florence, October 2015) at the Museo Marino Marini, is part of a cycle that the artist began in 2012 with The Legend of the True Cross, inspired by the Golden Legend by Jacobus de Voragine (1228-1298). We are confronted by iconography from Piero della Francesca’s fresco in the form of Constantine’s Dream juxtaposed with one of the most mysterious of Marcel Duchamp’s works, Etant donnés. From this performance, the artist has made a thoughtful film in which an alternation of close-ups and long shots accentuates the tableau vivant dimension. It is accompanied by 1. the sound of The Waterfall 2. the light of the Illuminating Gas.
Production Museo Marino Marini

Benjamin Seror
Born 1979 in Lyon. Lives and works in Brussels. Combining the figures of poet, singer and storyteller, Benjamin Seror likes to feature himself in theatrical performances that have both theoretical and narrative power. He gives us the fruit of his thoughts about the way history is transmitted, by questioning the way our memory, which can be both real and invented, presents things. His evocative titles give us ways of interpreting a complex piece full of exogenous knowledge, amusing digressions with varying degrees of logicality and highly appealing music. Seror’s production involves language and its potential for revealing our memory of things which it is possible we never experienced.

The Marsyas Hour, 2015-2016 – Performance, 1h20
Benjamin Seror’s new project concerns Marsyas, a character from Greek mythology condemned to wander between the land of the dead and the land of the living after losing a music competition with the god Apollo. Marsyas has to confront a mysterious enemy by using his own thoughts, as he moves around between fiction and reality. The performance was conceived as a long documentary narrative during which elements of scenery make their appearance. The performance evokes ghosts of film, art history, day-to-day adventures, and magic. But, as always with Seror, the real subjects are language and improvisation.
Coproduction Playground (STUK Kunstencentrum & M Museum Leuven) / Ferme du Buisson

Katarina Ševic´ & Tehnica Schweiz
Gergely László was born in 1979, in Budapest. He lives and works in Berlin. Péter Rákosi was born in 1970, in Kaposvár, Hungary. He lives and works in Budapest. They have worked as the artistic duo Tehnica Schweiz since 2004. Katarina Šević was born in 1979, in Novi Sad, Yugoslavia/Serbia. She lives and works in Berlin. Over the course of recent years, the duo Tehnica Schweitz and Katarina Šević have created several projects involving plays and tableaux vivants. Sourcing their material from the history of avant-garde theatre, they have created collective performances by using codes from amateur and political theatre. What particularly interests them is the satirical and political potential of these theatrical forms, and the fact that they allow several voices to coexist and to raise important questions in an amusing way.

Alfred Palestra : quand la crise de la République coïncide avec la naissance de la pataphysique, 2015 – Discussion/book-signing in collaboration with Zoë Gray, exhibition curator
The Alfred Palestra project was originally a workshop with students at the Lycée Émile-Zola in Rennes. The workshop was designed as a way of coming to terms with various elements of history, stories and narratives. In that school, Alfred Jarry could almost have met Alfred Dreyfus. The gym of the school was used for the second trial of Alfred Dreyfus in 1899, and it was the school where Alfred Jarry sat his baccalaureate exam and wrote Ubu Roi. The artists based their project on the books that Dreyfus read during his imprisonment and the books that Jarry collected in the imaginary library of Dr Faustroll for the exploration of the fundamental themes that are still as essential today as they were at the end of the 19th century: justice, truth, freedom and education.

Cally Spooner
Born 1983 in Ascot, United Kingdom. Lives and works in London. Cally Spooner is a writer and artist. Her texts combine a mixture of theory, philosophy, pop music, current affairs issues and entrepreneurial rhetoric. Spooner produces short stories with no plot, disjointed scenarios, monologues recorded on a loop, and musical arrangements as a means of staging the movement and functioning of speech. By appropriating as forms and references such different performance genres as musical comedies, advertising spots and radio plays, Spooner looks at the way in which disembodied, indeterminate and unmediated performance can exist within the extreme visibility of entertainment and today’s short attention spans.

Damning Evidence Illicit Behaviour Seemingly Insurmountable Great Sadness Terminated In Any Manner, 2014 – Opera singer, YouTube comments, LED screen Collection Enea Righi, Courtesy of the artist and gb agency – Paris
An opera singer sings messages which roll out on an LED screen like surtitles at an opera. The messages are comments posted on YouTube by discontented fans on videos in which the lies of celebrities are exposed: the Lance Armstrong doping scandal, for example, or Beyoncé lip synching to a pre-recorded “Star- Spangled Banner” at Barack Obama’s second term inauguration. This piece reflects Cally Spooner’s researches into hysteria in the media and reveals how dependent on technology people are, as well as how staged their behaviour can be and their discourse governed and robotised by digital mechanisation.

Sarah Vanhee
Born 1980 in Belgium. Lives and works in Brussels. Sarah Vanhee’s practice blends performance, visual arts and literature. Often created in situ, her works are concerned with the interaction between the spectator and the surroundings that they put in place. They totally blur the boundaries between fiction and reality, in order to push out the limits of the imagination and to raise questions about society, conventions and artistic commonplaces. Vanhee takes issue with the dominant models that influence our ways of thinking, speaking, and moving, as well as our relationships with others and the world. She combats existing paradigms with the weapons of absurdity, utopia and poetry…

Oblivion, 2015 Performance and installation, 2h30
Throughout one year, Sarah Vanhee collected rubbish, whether real or virtual. With these ‘remains’ – ranging from vegetable peelings to spams – she creates a luxurious environment to perform in, a place where nothing is lost, where birth and death rub shoulders and there is no wastage. For nearly three hours, the artist carefully unwraps cardboard boxes, accompanying her gestures with a discourse that plays on the deterioration of language. The installation and performance are presented as an ecological system rather than total chaos. Various kinds of o rganisation and gradations begin to emerge more or less clearly from this jungle of garbage, indicating something like a path through the journey.
Coproduction CAMPO (Gand), HAU – Hebbel am Ufer (Berlin), Göteborgs Dans & Teater Festival, Noorderzon (Groningen) & Kunstenfestivaldesarts (Brussels) with the support of the Culture Programme of the European Union and the Flemish Community.

Reading Jarry out loud
Médiathèque de la Ferme du Buisson
Librarians trained in the art of reading aloud read extracts from works by Alfred Jarry chosen by themselves. In spite of the reputed difficulty of the writing, they bring out all its acoustic qualities: the syncopated rhythms and the musical phrasing, the comic puns vying with the inherent lyricism of the works, and the way in which the words produce a host of synesthetic impressions.
In partnership with the network of multimedia libraries in the Val Maubuée

De l’inutilité du théâtre au théâtre [On the uselessness of theatricality in theatre]
Informal, café-style discussion between Dominique Gilliot, Jean-Christophe Meurisse, Benjamin Seror, Cally Spooner and others
In the light of texts by Jarry and of his radical attitudes to theatre (De l’inutilité du théâtre au théâtre, Douze arguments sur le théâtre, Questions de théâtre), artistes involved in the festival are invited to talk about the assumed ambiguity of their fascination for theatre: how can drama be dismembered so that each one of its significant elements can be examined and questioned and new forms be created?

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15. Hugues Decointet, Dramavox, model for a theatre of voices II, 2015-16

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16. Hugues Decointet, Dramavox, model for a theatre of voices II, 2015-16

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17. Hugues Decointet, Dramavox, model for a theatre of voices II, 2015-16

Practical information

Centre d’art contemporain
de la Ferme du Buisson
allée de la Ferme – Noisiel
77448 Marne-La-Vallée Cedex 2
France
+33 1 64 62 77 00
contact@lafermedubuisson.com
lafermedubuisson.com

how to go there
shuttle bus
from and to Paris-Opéra Bastille, at 1pm and midnight
by train
RER A dir. Marne-La-Vallée, stop Noisiel
(20 mins from Paris)
by car
A4 dir. Marne-la-Vallée, exit Noisiel-Torcy dir. Noisiel-Luzard
times
Saturday 13 February 2016, 2:00 pm to midnight
admission
Festival (except Chiens de Navarre): 5 €
Festival (including Chiens de Navarre): full 16 € / reduced 13 € / student 10 €

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18. Sarah Vanhee, Oblivion, 2015-16

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19. Sarah Vanhee, Oblivion, 2015-16

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20. Sarah Vanhee, Oblivion, 2015-16

Artistes: Les Chiens de Navarre, Hugues Decointet, Kasia Fudakowski, Dominique Gilliot, Petrit Halilaj, Jean-Christophe Meurisse, Luigi Presicce, Benjamin Seror, Katarina Ševic´ & Tehnica Schweiz, Cally Spooner, Sarah Vanhee

Commissaires : Leonardo BigazziKeren DettonJulie Pellegrin, Eva Wittocx

CAC de la Ferme du Buisson
Noisiel
samedi 13 fév 2016 de 14h à minuit

contact presse:
Corinna Ewald
corinna.ewald@lafermedubuisson.com
01 64 62 77 05 2

UN NOUVEAU FESTIVAL DE PERFORMANCES A LA FERME DU BUISSON 

Les artistes contemporains mêlent de plus en plus les codes des arts visuels et ceux des arts de la scène pour explorer une zone intermédiaire où se logent des formes d’art potentielles. Lieu fondamentalement pluridisciplinaire, la Ferme du Buisson se devait d’accueillir et d’accompagner ces pratiques où la performance apparaît comme un principe actif de transgression des frontières.
Performance Day est un nouveau rendez-vous annuel qui convie artistes et commissaires internationaux à investir les espaces du théâtre. À travers des collaborations avec d’autres structures et festivals, il s’agit de privilégier les regards croisés et de (co)produire des œuvres aux formats résolument hybrides. Pour sa première édition, il semblait naturel de convoquer Alfred Jarry – chantre de l’abolissement des catégories – comme figure tutélaire. En lien avec l’exposition La valse des pantins présentée au même moment au Centre d’art et le projet international Alfred Jarry Archipelago, le festival met à l’honneur mésusages du corps et du langage, humour absurde et amateurisme revendiqué. Autant d’outils à l’aide desquels les artistes présentés s’emploient à une déconstruction minutieuse des normes, tout en diversifiant les formats : performance marathon, déambulation et pièce sonore en plein air, projections, impromptus musicaux, lectures de textes de Jarry ou discussion de comptoir sur « l’inutilité du théâtre au théâtre»…

Alfred Jarry Archipelago
Se déployant en différents chapitres, Alfred Jarry Archipelago est un projet initié par le Centre d’art contemporain de la Ferme du Buisson, Le Quartier centre d’art contemporain de Quimper et le Museo Marino Marini à Florence dans le cadre de PIANO – plateforme franco-italienne d’échanges artistiques, en collaboration avec le M-Museum et Playground à Louvain (Belgique). Il prend la forme d’un archipel où chaque chapitre-île prend place dans un lieu différent, sous une forme différente. Trois expositions collectives se sont tenues au Quartier, à La Ferme du Buisson et au Museo Marino Marini, et un ensemble de performances dans le cadre du festival Playground à Louvain. Les quatre partenaires se retrouvent pour organiser l’édition 2016 du festival Performance Day à la Ferme du Buisson, puis pour une importante publication réunissant l’ensemble des chapitres en 2017.

COMMISSAIRES

Leonardo Bigazzi
Leonardo Bigazzi est commissaire d’exposition basé à Florence (Italie). Il travaille au Museo Marino Marini où il a été co-commissaire de l’exposition 30/60 Œuvres de la collection du Frac Champagne-Ardenne. Il collabore avec le festival de films Lo Schermo dell’Arte à Florence depuis sa première édition en 2008: il y est commissaire des programmes VISIO (ateliers, résidences) et de Notti di Mezza Estate, un programme estival de films d’artistes et de documentaires. Il collabore régulièrement à la sélection des films et a été responsable lors de la précédente édition des projets spéciaux avec les artistes Omer Fast, Melik Ohanian et Hiroshi Sugimoto. Il est également co-directeur de Feature Expanded, un programme de formation développé avec HOME (Cornerhouse) à Manchester. Il travaille avec l’artiste Petrit Halilaj pour la recherche et la production de ses expositions (galerie Kamel Mennour – Paris, Bundeskunsthalle – Bonn, Kölnischer Kunstverein – Cologne, Palazzo Grassi / Punta della Dogana – Venise). Depuis 2012, il est conseiller au musée Gucci à Florence pour les expositions d’art contemporain organisées en collaboration avec la collection François Pinault.

Keren Detton
Keren Detton est commissaire d’exposition et dirige Le Quartier, centre d’art contemporain de Quimper depuis 2009. Elle s’attache à porter un regard sur plusieurs générations d’artistes et à développer des projets d’exposition et d’édition dans une dynamique nationale et internationale. Sa programmation comprend des expositions monographiques (Guy de Cointet, Ann Veronica Janssens, Claude Closky, Carey Young, Adva Zakai, Fayçal Baghriche…) et des expositions collectives qui révèlent un intérêt pour le langage et ses formes, la perception des images et la construction des identités. De 2004 à 2009, elle a travaillé à la galerie Air de Paris et mené un programme prospectif intitulé La Planck. Elle est membre de l’association C-E-A (commissaires d’exposition associés) qu’elle a présidée de 2007 à 2009.

Julie Pellegrin
Julie Pellegrin dirige le Centre d’art contemporain de la Ferme du Buisson depuis 2007 où elle développe un programme centré sur la performativité à travers des expositions monographiques (Julien Bismuth, Mathieu Abonnenc, Isabelle Cornaro, Phill Niblock) et collectives (Une exposition chorégraphiéTreasures for theatreThe Yvonne Rainer Project), des événements et des livres. Elle a été co-directrice artistique de la 11e édition de Nuit Blanche Paris avec Chiara Parisi. Les artistes y proposaient une expérience de la durée et de la dérive en imaginant des œuvres à l’échelle de la ville (Fujiko Nakaya, Rosa Barba, Michael Portnoy, Peter Watkins, Chantal Akerman, Liam Gillick, Avi Mograbi…) parallèlement à la réactivation de pièces historiques (The Model de Palle Nielsen ou le quartet pour hélicoptères de Karlheinz Stockhausen). Outre une quinzaine de monographies et livres d’artistes, Julie Pellegrin à publié avec Mathieu Copeland un ouvrage collectif intitulé Chorégraphier l’exposition.

Eva Wittocx
Eva Wittocx est commissaire d’exposition et critique d’art basée à Bruxelles. Depuis 2009, elle est responsable du département d’art contemporain au M-Museum à Louvain, Belgique, qui présente à la fois de l’art ancien et contemporain à travers un programme d’expositions varié. La programmation en art contemporain s’articule autour d’expositions monographiques d’artistes émergents ou établis (dont Guy de Cointet, Markus Schinwald, Sarah Morris, Ugo Rondinone, Patrick Van Caeckenbergh, Pedro Cabrita Reis, Mika Rottenberg, Dirk Braeckman, Yael Davids ou Sol LeWitt). Entre 1997 et 2006, elle a été commissaire au S.M.A.K, musée d’art contemporain à Gand. De 2006 à 2009, elle a travaillé pour le centre des arts STUK à Louvain où elle crée en 2007, en collaboration avec l’équipe, un festival annuel de performance appelé Playground. Depuis 2009, ce festival est le fruit d’une collaboration entre le STUCK et le M-Museum, et se déroule dans les deux lieux. Eva Wittocx a contribué à de nombreux catalogues, publications et magazines. Elle a donné des conférences et participé à plusieurs séminaires. Elle est membre de l’IKT et de l’ICOM, et présidente de la section belge de l’AICA.

PROGRAMME 

PROGRAMME DE 14H A MINUIT

14h — Introduction par les commissaires et Dominique Gilliot, Maîtresse de Cérémonie
14h30 — Lire Jarry à voix haute — lectures / 1h
14h30 — Hugues Decointet — performance / 30 min
15h30 — Katarina Ševic & Tehnica Schweiz — discussion-dédicace / 1h
16h40 — Cally Spooner — activation / 7 min
17h — Sarah Vanhee* — performance / 2h30
17h30 — Hugues Decointet — performance / 30 min
18h20 — Cally Spooner — activation / 7 min
19h — Jean-Christophe Meurisse* — film / 50 min
19h40 — Cally Spooner — activation / 7 min
19h50 — Dominique Gilliot — performance / 20 min
20h30 — Benjamin Seror* — performance-cabaret (collation offerte) / 1h20
20h45 — Les Chiens de Navarre* — spectacle / 1h
22h30 — Jean-Christophe Meurisse* — film / 50 min
22h30 — De l’inutilité du théâtre au théâtre — discussion / 1h

EN CONTINU

14h-00h — Dominique Gilliot — Maîtresse de Cérémonie
14h-23h — Alfred Jarry Archipelago : La valse des pantins – Acte II — exposition et focus sur les oeuvres par les médiatrices
14h-23h — Cally Spooner — installation
14h-00h — Petrit Halilaj — installation sonore
14h-21h — Hugues Decointet — installation sculpturale et sonore
14h-16h30 — Kasia Fudakowski — installation vidéo
16h30-18h30 — Luigi Presicce — installation vidéo
14h-00h — Bar / restauration

*ces propositions sont sur réservation – les billets seront demandés à l’entrée des salles

00h — Départ de la navette, retour à Paris

Cliquez ici pour voir le programme complet

navettes
Paris-Bastille > La Ferme du Buisson
13h départ Paris
0h30 retour Paris

Invitation presse sur demande

ARTISTES ET ŒUVRES

Les Chiens de Navarre
Collectif crée en 2005. Les Chiens de Navarre est un collectif de théâtre créé par Jean-Christophe Meurisse qui en est également le metteur en scène. Le groupe d’acteurs joue de l’improvisation et des «accidents» qu’elle induit, crée des oppositions provisoires, des crises éphémères, des jeux imbéciles, avec ou contre le public. «Au cœur de la banalité, des métaphores surjouées et de nos pulsions, les Chiens de Navarre mettent en scène quelque chose comme le surgissement de nos désirs les plus saillants et les moins calculés. D’où cette place laissée à l’improvisation où gravitent les situations les plus outrées, les déchaînements ponctuels, les fatigues extrêmes et les violents déchirements, qui participent tous de cet hyperprésent. » (Tanguy Viel)

Les danseurs ont apprécié la qualité du parquet, 2012 – spectacle, 1h
Refusant «un théâtre figé, élitiste et poussiéreux », la meute des Chiens de Navarre favorise esthétique carnavalesque et écriture scénique automatique convoquant Artaud ou les surréalistes. Ils proposent ici leur premier spectacle chorégraphique, qui traverse et transgresse l’histoire de la danse. Un cortège de vieillards se met à errer, danser, se tripoter au son de tubes de variétés. Pathétique et ordurier. Etrange et émouvant. Dans ce bal bordélique muet, les Chiens trament avec l’idiotie un étonnant tissu sensé. Menés sans laisse par Jean-Christophe Meurisse, les canidés aux crocs acérés provoquent et charment.
Création collective des Chiens de Navarre
Dirigée par Jean-Christophe Meurisse
Collaboration artistique Isabelle Catalan avec Caroline Binder, Céline Fuhrer, Robert Hatisi, Manu Laskar, Thomas Scimeca, Anne-Élodie Sorlin, Maxence Tual, Jean-Luc Vincent

Hugues Decointet
Né en 1961 à Bienville, France. Vit et travaille à Montreuil. Dans le travail d’Hugues Decointet, les jeux d’échelles, les échanges de statuts de l’accessoire à l’objet, de la représentation à la présentation, sont autant de mises en scènes et de retournements de situation qui troublent notre perception du réel. Tout objet peut faire image et toute image est extraite d’un film possible. Decointet matérialise des espaces par des dispositifs scéniques, dans lesquelles les objets sont receveurs et émetteurs. L’énergie à l’œuvre qui permettra d’activer, d’animer au sens propre, les lieux, est la curiosité du spectateur. Un temps partagé émerge, l’œil capteur et mobile entraîne le corps dans une mobilité qui fait image.

Dramavox, model for a theatre of voices II, 2015 – Installation sonore activée par une performance, 400 x 400cm, 40 min
Fasciné par un texte sur la voix de Samuel Beckett, Hugues Decointet a constitué un index de descriptions de voix et des interviews d’acteurs au sujet de voix qu’ils aiment, qu’il a ensuite traduits dans une pièce combinant textes et sculptures. Ni performance, ni pièce radiophonique, Drama Vox se présente littéralement comme un « petit théâtre de voix ». La manipulation des objets en bois qui renferment la matière sonore fait émerger le portrait vocal et compose peu à peu une architecture. Son format réduit nous situe toutefois du côté de la maquette, qui n’est autre que la projection utopique d’un théâtre.
Coproduction Playground (STUK Kunstencentrum & M Museum) / Ferme du Buisson avec le soutien du Ministère de la Culture et de la Communication – DICRéAM.

Kasia Fudakowski
Née en 1985 à Londres. Vit et travaille à Berlin. Les sculptures, performances et vidéos de Kasia Fudakowski prennent souvent la forme de blagues déjantées ou de monologues pince-sans-rire truffés de jeux de mots. Ces interventions provoquent le rire suivi d’un doute, celui qui fait se retourner le spectateur pour voir si c’était effectivement drôle. Cet humour narquois est né de l’intérêt de Fudakowski pour les dérapages et les décalages de sens résultant d’appropriations ou de traductions, qu’elles soient linguistiques ou esthétiques. L’artiste est davantage sensible à la philosophie de la comédie qu’aux techniques qui déclenchent le fou rire. Elle s’attache à déconstruire les règles du stand-up ordinaire et considère la nature affective du rire et de l’acte de sourire. Fudakowski interroge le malaise qui peut s’installer entre un comédien et son public.

Did I Ever Really Have a Chance?, 2015 – Vidéo couleur, sonore, 15 min
Kasia Fudakowski crée sa performance Did I Ever Really Have a Chance? à l’invitation du Museo Marino Marini dans le cadre du programme Alfred Jarry Archipelago: ’HA ’HA (Florence, octobre 2015). La banale discussion publique entre l’artiste et le commissaire annoncée dans le programme dérape au fil des interruptions, accidents et autres bugs qui surviennent inopinément. L’artiste arrive en retard, l’introduction du commissaire s’étire en longueur, la traductrice s’emmêle les pinceaux, et ainsi de suite jusqu’au déclenchement de l’alarme incendie du musée… Loin d’être une simple captation de la performance, le film présenté ici est un savant montage texte/image, où les scènes se répètent en une sorte de bégaiement et où les surtitres oscillent entre commentaires a posteriori et scénario pré-écrit, semant le doute sur le statut de ce qu’on est en train de voir.
Production Museo Marino Marini

Dominique Gilliot
Née en 1975 à Gravelines. Vit et travaille à Paris et Bruxelles. Le travail performatif de Dominique Gilliot prend des formes variables et suit des logiques qui lui sont propres, mêlant culture savante et populaire. Souvent liées aux contextes d’énonciation, ses conférences performées guident l’auditeur dans une pensée où les forces de la logique sont traversées par l’accident et le fortuit. Le résultat peut être drôle, tout à trac, d’une confusion touchante, et, tout à la fois, étrangement précis. Il s’agit de pointer, d’un index qui ne tremblerait pas, des éléments, divers et variés, poétiques et volatiles, basiques ou même vernaculaires, d’une manière singulière. Il s’agit de performer, et il s’agit de partager un moment.

Une Série de Moments + un Moment + un Autre Moment, 2016 – Performance, durée variable
Pour cette première édition du festival, Dominique Gilliot proposera Une Série de Moments + Un Moment + Un Autre Moment, endossant entre autres et à sa demande expresse, le rôle de Maîtresse de Cérémonie tout au long de la journée. Ceci lui permettra à la fois de parler des œuvres, de diriger les opérations (main de velours, gant de fer), d’entretenir l’ambiance et les espaces verts, de faire circuler public et parole, et peut-être même de pousser la chansonnette. Gilliot exploitera le temps d’une résidence, la logique des espaces de la Ferme du Buisson, certains objets glanés çà et là, un texte de Jarry sur le temps dans l’art ou les derniers numéros de l’Étoile Absinthe pour, tel le Docteur Faustroll, élaborer sa navigation de lieu en lieu et d’œuvre en œuvre.
Production dans le cadre de la résidence de l’artiste au Centre d’art contemporain de la Ferme du Buisson

Petrit Halilaj
Né en 1986 à Kostërrc (SkenderajKosovo). Vit et travaille entre Berlin (Allemagne), Pristina (Kosovo) et Bozzolo (Italie). Adolescent, Petrit Halilaj apprend le dessin dans un camp de réfugiés durant le conflit au Kosovo. Ses souvenirs d’enfance à la campagne, son expérience personnelle de la guerre, de la destruction et du déplacement fondent sa réflexion sur la vie et la condition humaine. S’il convoque des éléments biographiques très concrets et matériels, son travail évite tout pathos pour s’ancrer dans une recherche sur le trauma et la manière dont il peut être représenté dans l’art. Ses combinaisons de terre et de gravats, ses animaux empaillés recouverts de boue, ses poulets vivants et ses dessins délicats évoquent un univers intime et utopique qui renvoie à l’objectivisation de l’homme comme n’importe quel animal de zoo, et témoignent d’une tentative de compréhension de notions telles que le «chez-soi», la «nation» et l’« identité culturelle».

Friends of birds, 2014-2015 – Installation sonore aléatoire, 1h
Les motifs animaux, les oiseaux en particulier, sont omniprésents dans le travail de Petrit Halilaj. Après avoir réalisé For the Birds, une installation pour volatiles en collaboration avec Alvaro Urbano, l’artiste a demandé à des amis d’enregistrer des sons comme s’ils voulaient et pouvaient communiquer avec les oiseaux. Ces sons étranges font irruption dans l’espace public et reflètent le contexte de travail de l’artiste qui partage son atelier avec des canaris auxquels il parle, qu’il étudie et dont il imite les sons.

Jean-Christophe Meurisse
Né en 1975 à Lorient. Vit et travaille en France. Fondateur et directeur artistique de la compagnie Les Chiens de Navarre, il met en scène leurs créations collectives depuis 2005. Jean-Christophe Meurisse est également un cinéaste intéressé par la possibilité d’accidents, de maladresses, mettant ainsi les acteurs –comme lors des répétitions pour ses créations théâtrales– en position de vie, sans préparation, sans interprétation, sans idées préconçues.

Il est des nôtres, 2013 – Vidéo HD, couleur, sonore, 47 min France, Pologne
Thomas a trente-cinq ans et a décidé qu’il ne sortirait plus jamais dehors. Il vit dans une caravane dans un hangar en pleine métropole et invite chez lui sa famille, ses amis, ses voisins. Il organise des fêtes. Des fêtes dionysiaques. Thomas célèbre chaque jour son refus de la société. Joyeusement. Furieusement. Toujours à partir d’improvisations, Jean-Christophe Meurisse a souhaité tester cette forme de travail à l’image. Le film part donc d’une idée, et n’a pas, à proprement parler, de scénario. À travers ce moyen métrage, Meurisse s’interroge sur notre capacité à vivre hors de la civilisation, ceci dans le but d’être plus proche du monde.
Production Ecce Films

Luigi Presicce
Né en 1976 à Porto Cesareo, Italie. Vit et travaille à Milan et Porto Cesareo. Dans le travail de Luigi Presicce, des séries d’images se combinent de façon compulsive, créant un récit de symboles et de figures allégoriques condensées dans le temps. Le processus créatif derrière chaque œuvre ne suit pas une structure précise, mais est progressivement enrichi par l’étude d’un thème spécifique. La pratique de Presicce se présente comme un remaniement contemporain de mythes, d’histoires et de symboles antiques. Dans toutes ses œuvres, le pouvoir symbolique de l’image est très intense. L’univers visuel du Quattrocento et Cinquecento dans lequel il puise ses multiples références est renforcé par une iconographie populaire issue d’une mémoire collective et personnelle, liée à des traditions et croyances plus anciennes.

Il sogno della cascata di Costantino, 2015 – Vidéo couleur, sonore, 7 min
Avec ses énigmatiques performances pour spectateur unique, Luigi Presicce crée des tableaux vivants surréalistes, riches en références symboliques et ésotériques. La performance produite pour le programme Alfred Jarry Archipelago: ’HA ’HA (Florence, octobre 2015) au Museo Marino Marini, fait partie du cycle commencé par l’artiste en 2012 avec l’histoire de la vraie croix, inspirée par La Légende dorée de Jacques de Varagine (1228-1298). Nous retrouvons l’iconographie de la fresque de Piero della Francesca, Le Rêve de Constantin, mise en relation avec l’une des œuvres les plus mystérieuses de Marcel Duchamp, Étant donnés. De cette performance, l’artiste extrait un film très contemplatif où l’alternance de gros plans et de plans larges accentue la dimension de tableau vivant, accompagné par 1. le son de la chute d’eau 2. la lumière du gaz d’éclairage.
Production Museo Marino Marini

Benjamin Seror
Né en 1979 à Lyon. Vit et travaille à Bruxelles. Convoquant les figures du poète, du chanteur et du conteur, l’artiste Benjamin Seror, aime à se mettre en scène dans des performances à la fois théoriques et narratives. Il donne à voir le fruit d’une réflexion sur la transmission de l’Histoire en questionnant la mise en scène possible de notre mémoire à la fois réelle et fictive. Ses titres évocateurs sont autant de pistes de lecture d’une œuvre complexe qui articule des savoirs exogènes, s’amuse de digressions plus ou moins logiques, et se laisse toujours gagner par la musique. Seror met en scène le langage, et son potentiel à révéler une mémoire de choses que nous n’avons peut-être jamais vécues.

The Marsyas Hour, 2015-2016 – Performance, 1h20
Le nouveau projet de Benjamin Seror s’intéresse à Marsyas, personnage de la mythologie grecque condamné à errer entre les morts et les vivants après avoir perdu un concours de musique contre le dieu Apollon. Celui-ci devra affronter un ennemi mystérieux en utilisant ses propres pensées, naviguant entre fiction et réalité. Conçue comme un long récit documentaire au fil duquel apparaissent des éléments de décor, la performance convoque fantômes du cinéma, histoire de l’art, aventures quotidiennes et magie – mais comme toujours chez Seror, les véritables sujets restent le langage et l’improvisation.
Coproduction Playground (STUK Kunstencentrum & M Museum Leuven) / Ferme du Buisson

Katarina Ševic´ & Tehnica Schweiz
Gergely László est né en 1979, à Budapest. Il vit et travaille à Berlin. Péter Rákosi est né en 1970, à Kaposvár, Hongrie. Il vit et travaille à Budapest. Ils forment le duo artistique Tehnica Schweiz depuis 2004. Katarina Ševic´ est née en 1979, à Novi Sad, Yougoslavie/Serbie. Elle vit et travaille à Berlin. Au cours des dernières années, le duo Tehnica Schweitz et Katarina Ševic´ ont élaboré plusieurs projets autour de pièces théâtrales et de tableaux vivants. Puisant dans l’histoire du théâtre d’avant-garde, ils ont créé des performances collectives en utilisant les codes du théâtre amateur ou du théâtre engagé. C’est le potentiel satirique et politique de ces formes théâtrales qui les intéressent tout particulièrement, la façon dont ils permettent à plusieurs voix de coexister et de poser des questions essentielles de façon ludique.

Alfred Palestra: quand la crise de la République coïncide avec la naissance de la pataphysique, 2015 – Discussion-dédicace autour du livre avec la collaboration de Zoë Gray, commissaire d’exposition
À l’origine, le projet Alfred Palestra a adopté la forme d’un atelier avec des lycéens de la Cité Scolaire Émile Zola à Rennes, un atelier conçu comme une méthode pour confronter et comprendre de multiples histoires, récits ou narrations. Dans cette école, Alfred Jarry aurait presque pu croiser Alfred Dreyfus. C’est en effet dans le gymnase de ce lycée que s’est tenu le second procès Dreyfus en 1898, juste après qu’Alfred Jarry y eut passé son baccalauréat et écrit Ubu Roi. Les artistes se sont appuyés sur les livres lus par Dreyfus pendant sa détention, et sur ceux que Jarry a réunis dans la bibliothèque imaginaire du Dr Faustroll pour explorer des thèmes fondamentaux aussi essentiels aujourd’hui qu’à la fin du XIXe siècle, comme la justice, la vérité, la liberté et l’éducation.

Cally Spooner
Née en 1983 à Ascot, Royaume-Uni. Vit et travaille à Londres. Cally Spooner est écrivaine et artiste. Combinant dans ses textes un mélange de théorie, de philosophie, de musique pop, de questions d’actualité et de rhétorique entrepreneuriale, Spooner produit de courtes histoires sans intrigue, des scénarios disjonctifs, des monologues en boucle et des arrangements musicaux pour mettre en scène le mouvement et le fonctionnement de la parole. En s’appropriant à la fois comme formes et références différents genres de performances tels que les comédies musicales de Broadway, les spots publicitaires ou les pièces radiophoniques, Spooner questionne la manière dont la performance dématérialisée, indéterminée et sans médiation peut exister au sein de l’extrême visibilité du divertissement et de l’actuelle économie de l’attention.

Damning Evidence Illicit Behaviour Seemingly Insurmountable Great Sadness Terminated In Any Manner, 2014 – Chanteuse d’opéra, commentaires You Tube, écran LED Courtesy l’artiste et gb agency – Paris
Une chanteuse lyrique chante des messages qui défilent sur un écran LED à la manière des surtitres d’opéra. Les messages sont des commentaires écrits sur YouTube par des fans mécontents liés à des vidéos dans lesquelles des célébrités révèlent leurs mensonges : le scandale du dopage de Lance Amstrong par exemple, ou Beyoncé chantant en play-back pendant la cérémonie de réélection de Barack Obama. Cette pièce reflète les recherches de Cally Spooner sur l’hystérie dans les médias, révélant la dépendance à la technologie, et la mise en scène d’un comportement et d’un discours gouverné et robotisé par une mécanisation digitale.

Sarah Vanhee
Née en 1980 en Belgique. Vit et travaille à Bruxelles. La pratique de Sarah Vanhee mêle performance, arts visuels et littérature. Souvent créées in situ, ses œuvres s’intéressent à l’interaction entre le spectateur et les environnements qu’elles mettent en place. Elles brouillent les frontières entre fiction et réalité de manière radicale, pour repousser les limites de l’imagination et reconsidérer les questions sociales, les conventions et les lieux communs artistiques. Invitant à développer une vigilance de l’esprit et des sens, Vanhee interroge les modèles dominants qui influencent notre façon de penser, de parler, de bouger et notre relation à l’autre et au monde. Elle confronte ainsi aux paradigmes existants absurdité, utopie et poésie.

Oblivion, 2015 – Performance et installation, 2h30
Pendant une année entière, Sarah Vanhee a collecté ses déchets, qu’ils soient réels ou virtuels. À partir de ces « restes » – allant des épluchures de légumes aux spams – elle crée un environnement foisonnant, où rien ne se perd, où naissance et mort se côtoient, un endroit sans gâchis, dans lequel elle évolue. Pendant près de trois heures, l’artiste déballe minutieusement des cartons, en accompagnant ses gestes d’un discours jouant sur la détérioration du langage. L’installation et la performance se présentent plutôt comme un système écologique que comme un total chaos. Il y a des gradations, différentes formes d’organisations, qui émergent plus ou moins clairement de cette « jungle» de déchets et dessine comme un chemin à travers un voyage.
Coproduction CAMPO (Gand), HAU – Hebbel am Ufer (Berlin), Göteborgs Dans & Teater Festival, Noorderzon (Groningen) & Kunstenfestivaldesarts (Bruxelles) avec le soutien du Programme Culturel de l’Union Européenne et de la Communauté flamande.

Lire Jarry à voix haute - Médiathèque de la Ferme du Buisson
Les bibliothécaires formés à la lecture à voix haute offrent aux oreilles des lecteurs et spectateurs des extraits choisis par eux dans l’œuvre d’Alfred Jarry. S’emparant d’une écriture réputée difficile à déchiffrer, ils en dévoilent toute la dimension acoustique, où les rythmes syncopés le disputent aux phrasés plus musicaux, les jeux de mots burlesques au lyrisme poétique, et où le son des mots produit une multitude d’impressions synesthésiques.
En partenariat avec le réseau des médiathèques du Val Maubuée

De l’inutilité du théâtre au théâtre - Discussion de comptoir entre Dominique Gilliot, Jean-Christophe Meurisse, Benjamin Seror, Cally Spooner…
À partir des textes et des positions radicales de Jarry sur le théâtre (De l’inutilité du théâtre au théâtreDouze arguments sur le théâtreQuestions de théâtre), les artistes du festival sont invités à échanger sur l’ambiguïté assumée de leur fascination pour le théâtre: comment démembrer le théâtre pour réinterroger chacun de ses éléments signifiants, et à partir d’eux, recomposer de nouvelles formes?

Info pratiques
Centre d’art contemporain de la Ferme du Buisson
allée de la Ferme
77186 Noisiel
01 64 62 77 00
contact@lafermedubuisson.com
www.lafermedubuisson.com

accès
navettes
aller-retour Paris / Ferme du Buisson: 13h / 0h30
transport
RER A Noisiel (à 20 min de Paris Nation)
en voiture
A4 dir. Marne-la-Vallée, sortie Noisiel-Torcy dir. Noisiel-Luzard
horaires
samedi 13 février 2016, de 14h à minuit
tarifs
Pass Performance Day (hors spectacle Chiens de Navarre) : 5 €
Pass Performance Day (incluant spectacle Chiens de Navarre) : plein 16 € / réduit 13 € / étudiant 10 €
Réservation indispensable pour Benjamin Seror, Sarah Vanhee et Les Chiens de Navarre (nombre de places limité)

Images:
cover. Benjamin Seror, The Marsyas Hour, 2015, M-Museum Leuven. © Robin Zenner
1. Gergely László, Alfred Palestra book presentation, 2015-2016, media library of la Ferme du Buisson
2. Katarina Šević & Tehnica Schweiz, Alfred Palestra, 2015-16, media library of la Ferme du Buisson
3-5. Benjamin Seror, The Marsyas Hour, 2015-16, la Ferme du Buisson
6-7. Cally Spooner, Damning Evidence Illicit Behaviour Seemingly Insurmountable Great Sadness Terminated In Any Manner, 2014, collection Enea Righi, courtesy the artist and gb agency – Paris, la Ferme du Buisson
8. De l’inutilité du théâtre au théâtre, roundtable among the curators and artists of Performance Day, 2016, la Ferme du Buisson
9. Lire Jarry à voix haute, 2016, media library of la Ferme du Buisson
10-14. Dominique Gilliot, Une Série de Moments + un Moment + un Autre Moment, 2016, la Ferme du Buisson
15-17.  Hugues Decointet, Dramavox, model for a theatre of voices II, 2015-16, la Ferme du Buisson
18-20. Sarah Vanhee, Oblivion, 2015-16, la Ferme du Buisson
Images 1-20: © Émile Ouroumov

Project: Alfred Jarry Archipelago
Space: CAC de la Ferme du Buisson

 

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