EMANUELE GUIDI

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EMANUELE GUIDI

Emanuele Guidi (1978) is an independent curator and, since July 2013, the artistic director at the kunstverein ar/ge kunst (Bolzano, Italy). Previous projects include a.o.: How to Tell a Story (DEPO, Istanbul 2013, with C. Larqué); Between Form and Movements (Galleria E. Astuni, Bologna, 2012); Rehearsing Collectivity – Choreography Beyond Dance (Tanzfabrik, Berlin, 2011, with E. Basteri, E. Ricci and A. Giannotti); Collective Body (Liquid Loft, Vienna, 2010, curated with A. Giannotti). Among his edited publications: Negus, Invernomuto, Humboldt Books, Milan, 2014; Rehearsing Collectivity,Argobooks, Berlin, 2012(with E. Basteri, E. Ricci); Between Form and Movements, Bologna, 2012; Urban Makers, Parallel Narratives of Grassroots Practices and Tensions, bbooks, Berlin, 2008.

Emanuele Guidi (1978) è curatore indipendente e dal 2013 direttore artistico del kunstverein ar/ge kunst di Bolzano. Progetti precedenti includono, tra gli altri: How to Tell a Story (DEPO, Istanbul 2013, con C. Larqué); Between Form and Movements (Galleria E. Astuni, Bologna, 2012); Rehearsing Collectivity – Choreography Beyond Dance (Tanzfabrik, Berlino, 2011, con E. Basteri, E. Ricci e A. Giannotti); Collective Body (Liquid Loft, Vienna, 2010, curata con A. Giannotti). Ha editato le seguenti pubblicazioni: Negus, Invernomuto, Humboldt Books, Milano, 2014; Rehearsing Collectivity, Argobooks, Berlino, 2012 (con E. Basteri, E. Ricci); Between Form and Movements, Bologna, 2012; Urban Makers, Parallel Narratives of Grassroots Practices and Tensions, bbooks, Berlino, 2008.

Emanuele Guidi (1978) est commissaire indépendant et, depuis juillet 2013, directeur artistique du centre d’art ar/ge kunst (Bolzano, Italie, www.argekunst.it). Parmi ses projets récents : How to Tell a Story (DEPO, Istanbul 2013, avec C. Larqué) ; Between Form and Movements (Galleria E. Astuni, Bologne, 2012) ; Rehearsing Collectivity – Choreography Beyond Dance (Tanzfabrik, Berlin, 2011, avec E. Basteri, E. Ricci and A. Giannotti) ; Collective Body (Liquid Loft, Vienna, 2010, en co-commissariat avec A. Giannotti). Il a coordonné plusieurs publications, parmi lesquelles : Negus, Invernomuto, Humboldt Books, Milano, 2014 ; Rehearsing Collectivity, Argobooks, Berlin, 2012 (with E. Basteri, E. Ricci) ; Between Form and Movements, Bologne, 2012 ; Urban Makers, Parallel Narratives of Grassroots Practices and Tensions, bbooks, Berlin, 2008.

Space: ar/ge kunst Galerie Museum
Project: Exercizing Doubt: Exhibition as Research

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VINCENT HONORÉ IN CONVERSATION WITH EMANUELE GUIDI, AR/GE KUNST, BOLZANO

VINCENT HONORÉ IN CONVERSATION WITH EMANUELE GUIDI, AR/GE KUNST, BOLZANO

Vincent Honoré I read in the mission statement of the institution that “in recent years ar/ge kunst has turned its attention toward the idea of the exhibition as a medium.” Can you define further what do you mean by an exhibition as a medium and how this is implemented in the gallery programme?

Emanuele Guidi Exhibitions have always been the main feature of ar/ge kunst since its foundation. That’s why I think it’s important to work with artists, and not just artists, who deal with exhibitions in their complexity. Exhibitions are multifaceted ‘machines’ where artworks play a central, but not exclusive, role. They are the product of relationships between many agents – artist(s), curator(s), artwork(s), audience(s), display, etc. – that have to find an arrangement in space and time. Making an exhibition is about going public, about communicating and about mediating a message, and therefore all elements that constitute the exhibition have to be taken into consideration as agents of mediation and communication; all aspects that make the exhibition a specific medium for ‘going public’. An exhibition is a designed situation, still open to a lot of various uncontrollable factors, time being the first of those; so I am interested in practices that are aware of how this time can be administered and shared among all those who are part of the exhibition, primarily the audience.

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2. Exhibition view, Falke Pisano/Archive Books, Constellation of One and Many

V.H. Nikolaus Hirsch asked this question: “Who are the authors in the construction of institutional space?”. Who are the authors of ar/ge kunst, which the name is being an abbreviation of the German word ‘Arbeitsgemeinschaft’ (working group)?

E.G. The authors of ar/ge kunst have been and are still ‘many’, although we are a small-scale institution with a small staff. When it was founded in 1985 the name ar/ge kunst was chosen to indicate a collective dimension behind the institution, and a collective working methodology. Various people, mainly from the field of art and architecture, curated and organized exhibitions and activities of different kinds with a quite intense rhythm (up to twelve exhibitions a year). Since I was appointed I’ve found it interesting how the meaning of ‘Arbeitsgemeinschaft’ disappeared behind its own abbreviation (ar/ge) and remains unknown to most people. The 30th anniversary in 2015 seems to be the best occasion to explore the notion of ‘collective work’ that originally inspired the choice of the name. And I am doing this by inviting artists, designers, choreographers, theorists, etc., who put into practice this idea of a working community in their research, especially by using the exhibition as a medium to activate forms of relationships.

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3. Exhibition view, Clémence Seilles, Bassin ouvert

V.H. The mission of your institution is to produce and present regional, national and international artistic practices and to conduct critical research on the role of art and its relationship with the social and political sphere within which it operates. I would like to ask you what you think is the core responsibility of the institution nowadays, with regard to the artists and the audience.

E.G. I feel it’s extremely important – and a mark of respect towards both artists and audience – to find ways to mediate the artists’ practices for the benefit of the regional context in which we operate. It’s clearly important to avoid the risk of being ‘parochial-minded’, and we try to do so by facilitating practices and approaches that are critical and capable of producing links and connections between local and more widespread issues. And I guess this is possible just by administering resources (first of all, time, as the most precious one) in a savvy way. Working in the South Tyrol, a region at the border between Italy and Austria with an extremely dense historical, political, linguistic profile, and therefore not being in any of the ‘official centers’ of the art world, we are able to understand and use time differently, giving artists the opportunity to undertake longer periods of research that can create interesting fractures in the way the local is perceived by the audience. In these terms it’s very important to mobilize forms of community around the artists’ practice and allow them to influence the research as well as adding layers of meaning to the work.

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4. Exhibition view, Clémence Seilles, Bassin ouvert

V.H. PIANO intends to create a network of art spaces working together, exchanging and interacting. Why did you decide to join the project and how are you participating in it?

E.G. Since arriving in Bolzano I’ve been trying to activate a number of collaborations and co-productions locally, nationally and internationally. It is a process that takes time, but some good steps have been made in this direction. Pierre Bal-Blanc invited me to look into PIANO and introduced me to Bétonsalon. And with Mélanie Bouteloup and Virginie Bobin, we agreed it was important to go beyond the simple exchange of artists and to look at how both institutions relate to the idea of ‘Exhibition as a Medium for Research’. This relates to our current exhibitions in a number of different ways (ar/ge kunst is showing the work by the French artist and designer Clémence Seilles at the moment). We also discussed this topic at a conference at Bétonsalon on 30 May with the Italian collective Invernomuto and the French curator Rémi Parcollet.

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5. Exhibition view, Clémence Seilles, Bassin ouvert

Vincent Honoré Ho letto nello statement riguardante la mission dell’istituzione che dirigi, che “negli ultimi anni ar/ge kunst ha concentrato la propria attenzione sull’idea dell’exhibition as a medium”. Puoi precisare cosa intendi per ‘exhibition as a medium’ e come si sviluppa questa nozione all’interno del programma dello spazio?

Emanuele Guidi Le mostre sono sempre state l’attività principale di ar/ge kunst, sin dalla fondazione. È per questo che credo sia importante lavorare con artisti, e non solo, che si interessano all’idea di mostra nella sua complessità. Le esposizioni sono “macchine” complesse, nelle quali le opere svolgono un ruolo centrale ma non esclusivo. Esse sono il risultato di relazioni tra diversi attori – artisti, curatori, opere, pubblico, display ecc. – che devono trovare una sistemazione nello spazio e nel tempo. Fare una mostra significa creare un qualcosa di pubblico, comunicare e mediare un messaggio, perciò tutti gli elementi che concorrono a definirla devono essere considerati quali fattori di mediazione e comunicazione. Sono tutti aspetti che fanno della mostra un medium specifico finalizzato a creare qualcosa di pubblico. Una mostra è una situazione progettata, che rimane tuttavia aperta a diversi fattori incontrollabili, il primo dei quali è il tempo. Per questo motivo mi interessano le pratiche che implicano la consapevolezza che il tempo può essere gestito e condiviso tra tutti coloro che sono parte della mostra, primo tra tutti il pubblico. 

V.H. Nikolaus Hirsch si poneva la seguente domanda: “Chi sono gli autori della costruzione di uno spazio istituzionale?”. Chi sono gli autori di ar/ge kunst, il cui nome è l’abbreviazione del termine tedesco ‘Arbeitsgemeinschaft’ (gruppo di lavoro)?

E.G. Gli autori diar/ge kunst sono stati e sono tuttora ‘molti’, nonostante siamo un’istituzione di piccole dimensioni con uno staff ridotto. Quando lo spazio fu fondato, nel 1985, il nome ar/ge kunst fu scelto per indicare la dimensione collettiva su cui esso si fondava, così come la sua metodologia di lavoro collettiva. Diverse persone, provenienti soprattutto dai campi dell’arte e dell’architettura, hanno curato e organizzato mostre e attività di vario tipo con un ritmo piuttosto intenso (fino al 12 mostre l’anno). Sin da quando sono stato nominato direttore ho trovato interessante come il significato di ‘Arbeitsgemeinschaft’ fosse scomparso dietro la sua abbreviazione (ar/ge) e come fosse sconosciuto ai più. Il 30° anniversario dello spazio, che cade nel 2015, mi è sembrato la migliore occasione per riflettere sulla nozione di “lavoro collettivo” che ha ispirato originariamente la scelta del nome. Sto quindi portando avanti tale riflessione attraverso il coinvolgimento di artisti, designer, coreografi, teorici ecc., che mettono in atto questa idea di comunità di lavoro all’interno della loro ricerca, in particolare usando la mostra come medium al fine di attivare nuove forme di relazione.

V.H. La mission della tua istituzione consiste nel presentare pratiche artistiche provenienti dal contesto regionale, nazione e internazionale e nel condurre una ricerca critica sul ruolo dell’arte e sulla relazione che essa intrattiene con la sfera sociale e politica in cui si realizza. Vorrei chiederti quale credi sia la principale responsabilità di un’istituzione oggi, sia rispetto agli artisti sia in relazione al pubblico.

E.G. Credo sia molto importante – quale segno di rispetto verso gli artisti e il pubblico – trovare il modo di mediare le pratiche degli artisti a beneficio del contesto locale in cui operiamo. Ovviamente è molto importante evitare il rischio di una mentalità troppo ristretta, cosa che tentiamo di fare presentando pratiche e approcci che siano critici e capaci di produrre legami e connessioni tra temi locali e idee più ampie. Credo che ciò sia possibile solo gestendo le risorse (prima tra tutti il tempo, la più preziosa) in modo consapevole.
Lavorando in Sud Tirolo, una regione al confine tra Italia e Austria con un’identità storica, politica e linguistica estremamente densa, e non trovandoci perciò in nessuno dei “centri ufficiali” del mondo dell’arte, siamo in grado di comprendere e usare il tempo diversamente, dando agli artisti l’opportunità di concentrarsi su periodi di ricerca di più lunga durata che possono creare interessanti fratture nel modo in cui il contesto locale viene percepito dal pubblico. In questi termini, è molto importante far sì che si creino forme di comunità intorno alle pratiche degli artisti e permettere che esse ne influenzino la ricerca, aggiungendo stratificazioni nuove al significato del lavoro.

V.H. PIANO intende creare una rete di spazi artistici che lavorano insieme, attraverso le pratiche dello scambio e dell’interazione. Per quale motivo hai deciso di prendere parte al progetto e come si realizza la tua partecipazione?

E.G. Sin da quando sonoarrivato a Bolzano ho cercato di attivare una serie di collaborazioni e coproduzioni a livello locale, nazionale e internazionale. È un processo che richiede tempo, ma abbiamo compiuto importanti passi in questa direzione. Pierre Bal-Blanc mi ha invitato a esaminare il progetto PIANO e mi ha presentato a Bétonsalon. Così, insieme a Mélanie Bouteloup e Virginie Bobin, abbiamo convenuto che era importante andare oltre il semplice scambio di artisti e concentrarsi su come le due istituzioni affrontavano il tema dell’“Exhibition as a Medium for Research”. Esso viene sviluppato all’interno delle nostre mostre attuali in molti modi diversi (ar/ge kunst presenta in questo momento il lavoro dell’artista e designer francese Clémence Seilles). Abbiamo inoltre discusso questo tema in occasione della conferenza tenutasi presso Bétonsalon lo scorso 30 maggio, cui hanno partecipato il collettivo italiano Invernomuto e il curatore francese Rémi Parcollet.

Images:
1. ar/ge Kunst space. Photo: Ivo Corrà
2. Exhibition view, Falke Pisano/Archive Books. Constellation of One and Many, 2014. Photo: Ivo Corrà
3-5. Exhibition views, Clémence Seilles, Bassin ouvert, 2015. Photo: aneres. Courtesy the artist and ar/ge kunst

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