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12 September – 21 December 2014
Opening Thursday 11 September 2014 from 5 pm to 9 pm

The Promise of Moving Things
Curated by: Chris Sharp
Participating artists: Nina Canell, Alexander Gutke, Antoine Nessi, Mandla Reuter, Hans Schabus, Michael E. Smith

The Registry of Promise is a series of exhibitions that reflect on our increasingly fraught relationship with what the future may or may not hold in store for us. These exhibitions engage and play upon the various readings of promise as something that simultaneously anticipates a future, its fulfillment or lack thereof, as well as a kind of inevitability, both positive or negative. Such polyvalence assumes a particular poignance in the current historical moment. Given that the technological and scientific notions of progress inaugurated by the enlightenment no longer have the same purchase they once did, we have long since abandoned the linear vision of the future the enlightenment once betokened. Meanwhile, what is coming to substitute our former conception would hardly seem to be a substitute at all: the looming specter of global ecological catastrophe. From the anthropocentric promise of modernity, it would seem, we have turned to a negative faith in the post-human. And yet the future is not necessarily a closed book. Far from fatalistic, The Registry of Promise takes into consideration these varying modes of the future while trying to conceive of others. In doing so, it seeks to valorize the potential polyvalence and mutability at the heart of the word promise.

2. Mandla Reuter, The Agreement, Vienna, 2011

2. Mandla Reuter, The Agreement, Vienna, 2011

Taking place over the course of approximately one year, The Registry of Promise consists of four autonomous, inter-related exhibitions, which can be read as individual chapters in a book. It was inaugurated by The Promise of Melancholy and Ecology at the Fondazione Giuliani, Rome, in May which is followed by The Promise of Multiple Temporalities at Parc Saint Léger, Pougues-Les-Eaux, then The Promise of Moving Things at Le Crédac, Ivry, and will conclude with The Promise of Literature, Soothsaying and Speaking in Tongues at De Vleeshal, Middelburg.

3. Antoine Nessi, Unknown Organs, 2014

3. Antoine Nessi, Unknown Organs, 2014

The third part of The Registry of Promise, The Promise of Moving Things, deals with the so-called life of objects in our current prepost-apocalyptic paradigm. Influenced in equal measure by animism, the much-discussed philosophical movement Object Oriented Ontology, the surrealism of Alberto Giacometti’s early masterpiece The Palace at 4 am (1932) and even the theoretical reflections of the Nouveau Roman novelist, theorist and editor Alain Robbe-Grillet (an OOOer, so to speak, well avant la lettre), The Promise of Moving Things seeks to address just that – the very idea that there exists some promise within objects in a world in which humans no longer roam the earth. Neither a critical rejection nor an endorsement of these ideas, the exhibition embraces the ambiguity at the very heart of the word promise. It questions to what extent this negative faith in the cultural and animistic legacy of objects is a genuine rupture with the anthropocentric tradition of humanism and to what extent it is merely a perpetuation of it.

4. Nina Canell, Treetops, Hillsides and Ditches, 2011

4. Nina Canell, Treetops, Hillsides and Ditches, 2011

Thus does the exhibition consist of works that features objects or processes which seem to possess some form of human subjectivity. For instance, the Austrian, Vienna-based artist Hans Schabus’ sprawling sculptural installation, Konstruktion des Himmels (1994), could merely be a random collection of variously seized wax balls and an elaborate light fixture or the most human forms of celestial organization: a constellation (which it is a recreation of Apparatus Sculptoris [Sculptor’s Studio], identified and named in the 18th century by Louis de Lacaille). Almost but not entirely by association, German, Berlin-based Mandla Reuter’s sculpture installation, The Agreement (Vienna) (2011), which has been paired with Schabus’ work and is comprised of an armoire hanging from the ceiling, assumes a quasi, supernatural and animistic quality. The transference of so-called human subjectivity is unmistakable in Swedish, Malmö-based Alexander Gutke’s work, Autoscope (2012). This 16mm film installation portrays the trajectory of a piece of film passing through the interior of a projector, exiting into a snowy, tree-dotted landscape, ascending upward into the sky before plunging back down to earth and looping back into the projector, and repeating the process, all as if in an allegory of reincarnation. The US, New Hampshire-based artist Michael E. Smith’s slight sculptural interventions, which often consist of recycled textiles, materials from the automotive industry, animal parts, and a variety of toxic plastics, are known to possess qualities hauntingly evocative of the human body, as if the spirit of one had entered the other. Drawing his formal vocabulary from machines and tools, French, Dijon-based artist Antoine Nessi creates sculpture, which can perhaps be best described as post-industrial, in which the inanimate seems to take on an organic quality, assuming a life of their own. Finally, the practice of the Swedish, Berlin-based artist Nina Canell is no stranger to the kinetic and to a certain, if specious sense of animism. Something of a case in point, Treetops, Hillsides & Ditches (2011) is a multi-part sculpture comprised of four shafts of wood over the top of which a clump of Iranian pistachio gum has been spread (like the top of a match) and which slowly crawls down the sides of the wood, enveloping it, like living a skin.

5. Michael E. Smith, Untitled, 2014

5. Michael E. Smith, Untitled, 2014

Thus is the reception of each work complicated and vexed through issues of subjectivity, projection, necessity, and desire. Now to what extent the works are complicit in that reception both varies and is debatable. Whatever the case may be, it is virtually impossible to say, but this does not necessarily mean that it is impossible to conceive of a world without humanism, as argued by Robbe-Grillet, at its center.
Chris Sharp

6. Alexander Gutke, Auto-scope, 2012

6. Alexander Gutke, Auto-scope, 2012

he Registry of Promise: one exhibition, four places
Thursday 11 September 2014 at 3:30 pm
As a prelude to the opening at Crédac, this round-table will bring together some of the main participants to the project The Registry of Promise. In the presence of the curator Chris Sharp, Sandra Patron, director of Parc Saint-Léger, Pougues-les-Eaux (The Promise of Multiple Temporalities) and Claire Le Restif, director of Centre d’art contemporain d’Ivry – le Crédac, Ivry-sur-Seine (The Promise of Moving Things).
T.B.C. : Adrienne Drake, director of Fondazione Giuliani, Rome (The Registry of Melancholy and Ecology) and Lorenzo Benedetti, director of De Appel, Amsterdam (for The Promise of Soothsaying and Speaking in Tongues, at SBKM/De Vleeshal).

Nuit blanche
Saturday 4 October 2014
From 7 pm to am
In the framework of the group show The Promise of Moving Things, an outdoor screening of Michael E. Smith’s video Jellyfish (2011), projected from the inside of Crédac.
Free admission.

Information and booking: 01 49 60 25 06 / / 

Royal Garden 6
Online on until Fall 2014
Contributors: Lorenzo Benedetti, Patrick Bernatchez, Juliette Blightman, Peter Buggenhout, Nina Canell, Adrienne Drake, Alexander Gutke, Jochen Lempert, Claire Le Restif, Marlie Mul, Rosalind Nashashibi, Antoine Nessi, Sandra Patron, Jean-Marie Perdrix, Mandla Reuter, Hans Schabus, Michael E. Smith, Francisco Tropa, Andy Warhol, Anicka Yi.
Curator: Chris Sharp
Online since 2008, Royal Garden is a virtual, multidisciplinary, multimedia “review” that is available to all at the Crédac’s website. This sixth edition is seen as a virtual extension of the project The Registry of Promise, a series of four exhibitions curated by Chris Sharp and co-organized by four art venues in Europe. Royal Garden has invited Chris Sharp to extend his reflection, to reveal his logbook and to provide material related to the construction of the show. All the artists of the project, and the four organizing directors, are also invited to offer everyone a specific response to the exhibition, to create an open, living archive of The Registry of Promise.
Royal Garden is made possible thanks to the generous support of Région Ile-de-France.

Download the press release


The Registry of Promise est une série de quatre expositions-réflexions sur ce que l’avenir pourrait nous réserver ou pas. Ces expositions abordent et jouent sur de multiples et simultanées lectures du concept de promesse : anticipation du futur, maintien ou rupture de la promesse, ainsi qu’un sentiment d’inéluctabilité, positif et négatif. Une telle polyvalence revêt, en ce moment historique, un caractère particulièrement poignant. Les notions de progrès technologique et scientifique inaugurées par le Siècle des Lumières n’ont plus la cote d’antan, et nous avons abandonné depuis longtemps la vision linéaire de l’avenir qui leur était associée. Cette ancienne vision a entre-temps été remplacée – si l’on peut parler de remplacement – par le spectre menaçant d’une catastrophe écologique globale. De la promesse anthropocentrique de la modernité, nous sommes apparemment passés à une foi négative dans le post-humain. Et pourtant, l’avenir n’est pas nécessairement un livre clos. Loin d’être fataliste, The Registry of Promise prend en considération les différents modes du futur tout en essayant d’en concevoir de nouveaux. Tout cela dans une tentative de valoriser le potentiel de polyvalence et muabilité au cœur du mot « promesse ».
Ayant lieu sur une période de près d’un an, The Registry of Promise consiste en quatre expositions autonomes mais tout de même étroitement liées, pouvant être lues comme différents chapitres d’un livre. Le projet, inauguré à la Fondazione Giuliani avec The Promise of Melancholy and Ecology, suivi de The Promise of Multiple Temporalities au Parc Saint Léger, puis de The Promise of Moving Things au Centre d’art contemporain d’Ivry – le Crédac et trouvera sa conclusion avec The Promise of Literature, Soothsaying and Speaking in Tongues au SBKM/De Vleeshal.

Troisième volet du cycle The Registry of Promise, The Promise of Moving Things s’intéresse à la vie présumée des objets dans notre modèle pré-post-apocalyptique actuel. En s’inspirant à parts égales de l’animisme, de l’ontologie  « Orientée Objet » fort débattue actuellement, du surréalisme illustré par le chef-d’œuvre de jeunesse d’Alberto Giacometti Le Palais à quatre heures du matin (1932) et même des réflexions théoriques du chef de file du nouveau roman Alain Robbe-Grillet (un ontologiste objectuel bien avant la lettre, pourrait-on dire), The Promise of Moving Things veut traiter précisément de cela : l’idée même qu’au sein des objets réside une promesse, dans un monde où l’homme n’est plus le vagabond de la terre. Sans récuser ni entériner ces idées, l’exposition revendique au contraire l’ambiguïté qui est au cœur de la notion de promesse. Elle pose la question de savoir dans quelle mesure cette foi négative en la dimension culturelle et animiste des choses constitue une rupture authentique avec la tradition de l’humanisme anthropocentrique, et dans quelle mesure elle ne fait que la perpétuer.
The Promise of Moving Things réunit donc des œuvres centrées sur des objets ou des processus qui semblent posséder une espèce de subjectivité humaine. Par exemple, Konstruktion des Himmels (1994), l’installation sculpturale déployée au sol par l’artiste viennois Hans Schabus, pourrait être un simple déploiement aléatoire de boules de cire de taille variable autour d’une lampe d’architecte, ou bien la forme la plus humaine d’organisation céleste : une constellation (ce qu’elle est effectivement, recréant l’Apparatus sculptoris, ou Atelier du sculpteur, identifié et baptisé au XVIIIe siècle par Louis de Lacaille). Presque par contagion, The Agreement, Vienna (2011), l’installation du plasticien berlinois Mandla Reuter qui consiste en une armoire suspendue au plafond, revêt un aspect quasi surnaturel et animiste. Le transfert d’une supposée subjectivité humaine apparaît clairement dans Auto-scope (2012) d’Alexander Gutke, artiste qui vit et travaille à Malmö. Son film 16 mm décrit la trajectoire d’une pellicule qui se dévide d’un projecteur dans un paysage enneigé parsemé d’arbres, monte au ciel, puis redescend sur la terre pour se réenrouler à l’intérieur du projecteur, et ainsi de suite, dans une sorte d’allégorie de la réincarnation. Les discrètes interventions sculpturales de Michael E. Smith, établi dans le New Hampshire, emploient souvent des vêtements recyclés, des rebuts de l’industrie automobile, des cadavres d’animaux et divers plastiques nocifs. Il en émane une impression hallucinante de corps humain, de l’ordre de la possession, comme si l’esprit de l’un s’était logé dans l’autre. Le Dijonnais Antoine Nessi emprunte son vocabulaire plastique à l’univers des machines et des outils, pour créer des sculptures que l’on qualifiera de post-industrielles, où l’inanimé semble pénétrer le règne du vivant et acquérir une existence autonome. Enfin, la démarche de l’artiste suédoise Nina Canell, Berlinoise d’adoption, n’est jamais loin du cinétisme et d’une certaine dimension animiste, aussi trompeuse qu’aisément reconnaissable. En guise de cas d’école, Treetops, Hillsides & Ditches (2011) se compose de quatre bûches de bois sur lesquelles est déposée de la résine de pistachier lentisque (aussi appelé « arbre au mastic ») qui enrobe leurs sommets (à la manière des têtes d’allumettes) et dégouline lentement sur leur pourtour, les enveloppant telle une peau vivante.
La compréhension de chaque œuvre se trouve ainsi contrariée par des questions de subjectivité, de projection, de nécessité et de désir. Quant au degré de complicité des œuvres dans cette perception, il est variable et discutable. Cela ne nous empêche pas pour autant de concevoir un monde dont l’homme ne serait pas le centre, comme le suggérait Robbe-Grillet.
Chris Sharp

Table ronde
The Registry of Promise : une exposition, quatre lieux
Jeudi 11 septembre 2014 à 15h30
En préambule du vernissage au Crédac, cette table ronde réunit certains des principaux acteurs du projet The Registry of Promise. En présence de Chris Sharp, commissaire des expositions, Sandra Patron, directrice du Parc St Léger, Pougues-les-Eaux  (The Promise of Multiple Temporalities), Claire Le Restif, directrice du Centre d’art contemporain d’Ivry – le Crédac , Ivry-sur-Seine (The Promise of Moving Things).
Sous réserve : Adrienne Drake, directrice de la Fondation Giuliani à Rome (The Registry of Melancholy and Ecology) et Lorenzo Benedetti, directeur de De Appel, Amsterdam pour The Promise of Soothsaying and Speaking in Tongues, à SBKM/De Vleeshal.

Nuit blanche
Samedi 4 octobre 2014
Toute la nuit à partir de 19h
Dans le cadre de l’exposition The Promise of Moving Things, projection du film de Michael E. Smith Jellyfish (2011), visible depuis l’extérieur de la Manufacture des Œillets.

Tous les événements, infos et réservations : 01 49 60 25 06 / /

Royal Garden 6
En ligne sur à l’automne 2014
Avec les participations de : Lorenzo Benedetti, Patrick Bernatchez, Juliette Blightman, Peter Buggenhout, Nina Canell, Adrienne Drake, Alexander Gutke, Jochen Lempert, Claire Le Restif, Marlie Mul, Rosalind Nashashibi, Antoine Nessi, Sandra Patron, Jean-Marie Perdrix, Mandla Reuter, Hans Schabus, Michael E. Smith, Francisco Tropa, Andy Warhol, Anicka Yi.
Commissaire : Chris Sharp
En ligne depuis 2008 sur le site internet du Crédac, Royal Garden est une revue en ligne pluridisciplinaire, un cadavre exquis critique, théorique et artistique.
Cette sixième édition est pensée comme une extension virtuelle du projet The Registry of Promise, série de quatre expositions-réflexions conçues par Chris Sharp et organisées en collaboration par quatre lieux en Europe. Royal Garden propose à Chris Sharp de prolonger sa réflexion, de dévoiler son carnet de bord, de donner des indications sur l’envers du décor. Tous les artistes du projet, ainsi que les quatre directeurs qui ont collaboré à sa mise en œuvre, sont également invités à proposer chacun une intervention inédite en écho à l’exposition, pour créer une archive ouverte et vivante à l’image du Registre des promesses.
Royal Garden est réalisé grâce au soutien de la Région Île-de-France.

Télécharger le dossier de presse

1. Hans Schabus, Konstruktion des Himmels, 1994. Courtesy of the artist et ZERO…
2. Mandla Reuter, The Agreement, Vienna, 2011. Wardrobe; 198 x 129 x 85 cm. Courtesy Galerie Mezzanin, Vienna. © Mandla Reuter/ Adagp 2014.
3. Antoine Nessi, Unknown Organs, 2014. Stainless steel, aluminium, brass, galvanized steel; variable dimensions.
4. Nina Canell, Treetops, Hillsides and Ditches, 2011. Mastic gum, logs; variable dimensions. Courtesy Konrad Fischer Galerie, Berlin and Private collection, Belgium. © Nina Canell / Adagp, 2014.
5. Michael E. Smith, Untitled, 2014. Wire harness; variable dimensions. Courtesy of the artist, Clifton Benevento, New York & Michael Benevento, Los Angeles.
6. Alexander Gutke, Auto-scope, 2012. 16 mm film; 1mn loop. Courtesy of Galerija Gregor Podnar, Berlin / Ljubljana.

Views of the exhibition The Promise of Moving Things (curator: Chris Sharp), Centre d’art contemporain d’Ivry – le Crédac, 2014. Photo: André Morin / le Crédac.

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Vincent Honoré in conversation with Claire Le Restif, Centre d’art contemporain d’Ivry – le Crédac, Ivry-sur-Seine


Vincent Honoré How was the Crédac created and what is its fundamental purpose?
Claire Le Restif The art centre was created in 1987, instigated by artists and political will. It is one of the first art centres in Île-de-France. Situated in Ivry-sur-Seine, the Crédac is a place whose visitors comprise locals from Ivry and French residents passing through the region or from Paris to visit the exhibitions or attend meetings. The question of public transit is central, as is the relationship between Paris and its outskirts.
Although the art centre is the location of the artist’s project above all, it remains no less a laboratory for the transmission of art, its questions, utopias and forms.

V.H. The Crédac is one of many art centres that form a dynamic network in France and without which a large proportion of contemporary culture and art would undoubtedly be inaccessible. How does its DNA differentiate it in this network?
C.L.R. The art centre is a public place. Also the project that I am developing strives to eliminate as far as possible the notion of personal taste or aesthetic line to the benefit of exhibiting a wider range of creativity and its aesthetic and critical issues. I express more of a relationship with art by inviting artistic projects that develop different issues embodied by forms that interpret the wealth of current artistic expression. I also regard certain forms of publication as spaces to ‘curate’. We do not publish exhibition booklets but a free publication called Le Mecca. It provides information about activity issues at the Crédac, the planning and mediation alike. It also opens an additional avenue for reinterpretation and memory.
Lastly, there is Royal Garden, a virtual world extension of Crédac’s artistic mission. It’s a sort of virtual review montage, a multidisciplinary place of production and critical, theoretical and artistic exquisite corpse.

6. Lara Almarcegui, Ivry souterrain

2. Lara Almarcegui, Ivry souterrain, 2013

V.H. There is a fundamental phrase in the presentation of the centre: ‘an art centre is not just a space defined in terms of square metres. For artists it is also a place for intellectual, critical and technical mentoring.’ I would like you to elaborate on this notion of mentoring.
C.L.R. An art centre is not just a place measured in square metres, a showcase… For the artists it is a place to carry out research, to experiment and for intellectual, critical and technical support. It is a place for artistic yet all too often illegitimate, freedom.
When I talk about mentoring, it is regarding the artists for whom we are benchmarks when required, but it is also the mentoring that has been instigated between art centres.

V.H. I am more interested in the programme than the exhibition in my interviews with institution directors, both for the project PIANO and CURA. magazine. That is, in the structure behind a vision, a dynamic and a horizon for a place, a project and a team. This problem interests me all the more as the gap between spheres of intellectual strength or experiment and sanctuaries of global culture is widening (without personal preference for one or the other). In your opinion, what is the role of an art centre director in 2014?
C.L.R. To ensure that the venues at best develop and consolidate, and in the worse case scenario they are sustained! We have to be in permanent contact with the artists and liaise with civil society, another mission that is important in my eyes! But the context in which we work is very important. It should be taken into consideration in a peaceful but also resistant way (laughter). To support what we believe should be stated and exhibited, sometimes against the advice of fashion, the art market and public taste!
To explain our relationship with art, to feel part of the cultural heritage of an exhibition history as a source for reflection even about the history of recent art, whilst putting to the test our ability to continue to invent new forms of exhibits and more broadly new ways of working together.

3. View of the exhibition Mathieu Mercier

3. View of the exhibition Mathieu Mercier. Sublimations, 2012

V.H. Charles Esche described his ideal museum as being inherently uncertain: simultaneously and integrally a community centre, a laboratory, an institute and a gallery. A place where the production is not necessarily ‘productive,’ but a continual process of reconfiguration and a form open to incomplete architecture. How did you structure the curatorial approach to the venue, the institution?
C.L.R. The programme that I drew up for the Crédac when I arrived was very bound to the context and the topography of the underground location, situated until 2011 within the foundations of the Jeanne Hachette Centre, built by the architect Jean Renaudie between 1970 and 1975. To kick off, I set up an exhibition in two parts called La partie continue (The Games Goes On), a small show to present the goals of my programme. The project was initially inspired by this unusual venue, the sloping white cube and compromised geometry. This title bore the notion of continuous and discontinuous play. Having formulated the concepts of citing, misappropriation, mixing and borrowing, it was more the loss of the notion of authority, of ownership and the calling into question of inheritance that interested me.
We left this venue for a factory built in 1913. La Manufacture has thus resumed its original production studio activity: studios in which artists can create, mature and produce; studios for artistic practices, experimentation and mediation for different audiences; studios for discussion and reflection during workshops, meetings and debates.

V.H. PIANO wishes to create a space for exchange and dialogue between Italian and French art venues. Why did you want to participate and what programme are you offering?
C.L.R. We have the impression, most notably with Sandra Patron and Lorenzo Benedetti, that the role of art centres is not studied, analysed and promoted enough. I feel it is crucial to defend the role played by art centres in implementing networks for artistic presentation on a European level.
How would a museum collection become established today if the network of European art centres ever disappeared? What issues would occur for an artistic community without a local venue for peripheral circulation? Lastly, how does the economic crisis endanger the art ecosystem?
I had an in-depth discussion concerning these questions with Chris Sharp who had his project The Registry of Promise in mind. My idea was to set up an association of four dynamic venues that he is also in regular contact with: the Fondazione Giuliani in Rome, Parc Saint Léger in Pougues-les-Eaux and De Vleeshal in Middelburg.

5. Boris Achour,

4. Boris Achour, Une partie d’Assemblée, 2012


Vincent Honoré Comment a été créé le Crédac et quelle est sa mission fondamentale ?
Claire Le Restif Le Centre d’art a été créé en 1987 à partir d’une initiative d’artistes et d’une volonté politique. Il est un des centres d’art pionniers en Île-de-France. Situé à Ivry-sur-Seine, le Crédac est un lieu dont le public est constitué à la fois d’Ivryens et de métropolitains qui traversent la région ou qui viennent de Paris pour visiter les expositions ou assister à des rencontres. Cet enjeu de déplacement des publics est central, comme l’est la relation qu’entretient Paris avec sa périphérie.
Bien que le centre d’art soit avant tout le lieu du projet de l’artiste, il n’en demeure pas moins un laboratoire de transmission de l’art, de ses questions, de ses utopies et de ses formes.

V.H. Le Crédac fait partie des nombreux centres d’art qui forment en France un réseau dynamique, et sans qui une grande part de la culture contemporaine et de l’art contemporain ne serait certainement pas visible. Dans ce réseau, quel est son ADN, sa différence ?
C.L.R. Le centre d’art est un lieu public, aussi le projet que je développe tente de gommer le plus possible la notion de goût personnel ou de ligne esthétique au profit de l’exposition d’un état élargi de la création, de ses enjeux esthétiques et critiques. J’énonce davantage un rapport à l’art en invitant des projets artistiques qui développent des enjeux différents incarnés par des formes traduisant la richesse des langages artistiques actuels. Je considère aussi que certaines formes de publication sont des espaces à « curater ». Nous n’éditons non pas des journaux d’exposition mais une publication gratuite intitulée Le Mecca. Elle donne des indications sur les enjeux des activités du Crédac, la programmation comme les actions de médiation. Elle ouvre également une voie supplémentaire, celle de la relecture et de la mémoire.
Enfin, il y a Royal Garden, véritable prolongement sur le mode virtuel du projet artistique du Crédac. C’est une sorte de revue virtuelle hirsute, un lieu de production pluridisciplinaire, un cadavre exquis critique, théorique et artistique.

V.H. Dans la présentation du centre, il y a cette phrase fondamentale : « un centre d’art n’est pas simplement un espace qui se définit en mètres carrés. C’est aussi, pour les créateurs, un lieu de compagnonnage intellectuel, critique et technique ». J’aimerais que vous reveniez sur cette notion de compagnonnage et que nous la définissions davantage.
C.L.R. Un centre d’art ce n’est pas simplement un lieu, des mètres carrés, une vitrine… C’est, pour les artistes, un lieu de recherche, d’expérimentation, d’accompagnement intellectuel, critique et technique. C’est un lieu de permission pour les artistes, mais qui reste trop souvent encore illégitime.
Lorsque j’aborde l’idée du compagnonnage, c’est envers les artistes pour lesquels nous sommes des référents lorsqu’ils ont besoin d’aide, mais c’est aussi le compagnonnage que l’on met en place entre centres d’art.

V.H. Dans mes entretiens avec des directeurs d’institutions, tant pour le projet PIANO que pour CURA. magazine, je m’intéresse davantage au programme qu’à l’exposition. Davantage à la structure qui sous-tend une vision, une dynamique et un horizon pour un lieu, un projet et une équipe. Cette problématique m’intéresse d’autant plus que l’écart entre zones de résistances intellectuelles ou d’expérimentations et temples de la culture globale se creuse (sans aucune préférence personnelle pour l’un ou l’autre). Selon vous, quel est le rôle d’un directeur de centre d’art en 2014 ?
C.L.R. Faire en sorte que les lieux, au mieux se développent et se consolident, et au pire qu’ils se maintiennent ! Il faut être en contact permanent avec les artistes et faire le lien avec la société civile, autre mission qui est, à mes yeux, importante. Mais le contexte dans lequel nous travaillons importe beaucoup. Il faut tour à tour en tenir compte de manière pacifiée mais aussi hostile (rires). Maintenir ce qui nous semble devoir être énoncé et exposé, parfois contre l’avis de la mode, du marché de l’art, du goût du public !
Exposer notre rapport à l’art, se sentir héritiers d’une histoire de l’exposition comme support de réflexion, jusqu’à l’histoire de l’art récente, tout en mettant à l’épreuve notre capacité à inventer toujours de nouvelles formes d’expositions et plus largement de nouvelles manières de travailler ensemble.

V.H. Charles Esche a décrit son musée idéal comme étant fondamentalement incertain : à la fois simultanément et intégralement, centre communautaire, laboratoire, institut, galerie. Un lieu où la production n’est pas obligatoirement « productive », un lieu en permanente reconfiguration, une forme ouverte à l’architecture incomplète. Comment avez-vous structuré l’approche curatoriale du lieu, de l’institution ?
C.L.R. Le programme que j’avais défini pour le Crédac à mon arrivée était très lié au contexte et à la topographie du lieu underground, situé jusqu’en 2011 dans les fondations du Centre Jeanne Hachette, construit par l’architecte Jean Renaudie entre 1970 et 1975. Pour démarrer, j’avais mis en place une exposition en deux volets intitulée La partie continue, un petit manifeste pour présenter les enjeux de mon programme. Le projet était inspiré au départ par ce lieu à la topographie singulière, le white cube en pente et à la géométrie contrariée. Ce titre portait en lui la notion de jeu entre continuité et discontinuité. Une fois les concepts de citation, de détournement, de mixage et d’emprunt posés, c’était davantage la disparition de la notion d’autorité, de propriété, et la remise en question des héritages qui m’intéressaient.
Nous avons quitté ce lieu pour une usine construite en 1913. La Manufacture est ainsi rendue à son activité initiale d’atelier de production : ateliers de création, de mûrissement et de production pour les artistes ; ateliers de pratiques artistiques, d’expérimentation et de médiation pour les différents publics ; ateliers de discussion et de réflexion lors de workshops, de rencontres et de débats.

V.H. PIANO veut créer un espace d’échange et de dialogue entre des lieux d’art italiens et français. Pourquoi avez-vous souhaité participer et quel programme proposez-vous ?
C.L.R. Nous avions le sentiment, avec Sandra Patron et Lorenzo Benedetti notamment, que le rôle des centres d’art n’était pas assez étudié, analysé et mis en avant. Il me paraît essentiel de défendre le rôle joué par les centres d’art dans la mise en place de réseaux de diffusion artistique au niveau européen.
Comment se constituerait la collection d’un musée aujourd’hui si d’aventure le réseau des centres d’art européens disparaissait ? Quels seraient les enjeux d’une communauté artistique sans lieu de diffusion périphérique et de proximité ? Enfin, comment la crise économique met en danger l’écosystème de l’art ?
J’avais un échange riche sur ces questions avec Chris Sharp qui avait en tête son projet The Registry of Promise. J’ai eu l’idée de mettre en place une association de quatre lieux dynamiques et qui sont également en dialogue régulier avec lui. La Fondazione Giuliani à Rome, le Parc Saint Léger à Pougues-les-Eaux et le centre d’art de Vleeshal à Middelburg.

1. Mandla Reuter, The Agreement, Vienna, 2011, armoire, 198 x 129 x 85 cm. Installation view Galerie Mezzanin, 2011. Courtesy the artist and Galerie Mezzanin. Photo: Karl Kühn
2. Lara Almarcegui, Ivry souterrain, 2013, book, 80 pages, 11 x 18 cm, 22 black-and-white illustrations, 2000 copies. Photo: © André Morin / le Crédac. Courtesy of the artist & Ellen de Bruijne Projects, Amsterdam. Exhibition Lara Almarcegui. Ivry souterrain, 19 April – 23 June 2012
3. View of the exhibition Mathieu Mercier. Sublimations, 20 January – 25 March 2012, Centre d’art contemporain d’Ivry – le Crédac. Photo: © André Morin / le Crédac. Courtesy of the artist
4. Boris Achour, Une partie d’Assemblée, 2012, video, 15 mn. Photo: © André Morin / le Crédac. Courtesy of the artist. Exhibition Boris Achour. Séances (Sessions), 13 April – 3 June 2012

Space: Centre d’art contemporain d’Ivry – le Crédac
Protagonist: Claire Le Restif
Project: The Registry of Promise